Tous les films de Denis Villeneuve classés par ordre de grandeur

S’il est facile pour les cinéphiles de se perdre dans la riche tradition du cinéma et de débattre sur quel film classique se classe où, on oublie souvent de se demander: «Qui est le réalisateur contemporain le plus accompli?» Selon la Hollywood Critics Association, le réalisateur canadien-français Denis Villeneuve a été élu meilleur réalisateur de la dernière décennie. Avec trois Oscars pour ses films Arrival et Blade Runner 2049, il est juste de dire que la filmographie de Villeneuve a rencontré un succès critique et universel.

«Je pense que je suis attiré par les sujets qui me font peur», a fait remarquer Villeneuve en parlant de son travail. En effet, les mondes qu’il construit sont étranges et dérangeants mais révélateurs en même temps. De nature profondément psychologique, les films de Villeneuve nous obligent à affronter nos propres angoisses comme seul l’art peut le faire.

Cette liste est une tentative pour essayer de comprendre l’œuvre complexe d’un metteur en scène sans aucun doute habile d’une manière plus accessible. Cela dit, chaque film de cette liste mérite une attention individuelle et est suffisamment nuancé pour lancer un discours qui lui est propre.

Consultez la liste complète ci-dessous.

Les films de Denis Villeneuve classés du pire au meilleur:

9. 32 août sur Terre (1998)

Ce film canadien est le premier film puissant de Denis Villeneuve et qui suit l’histoire de Simone, une mannequin qui se retrouve dans un accident de voiture. Comme le titre du film lui-même, Villeneuve perturbe continuellement les signifiants conventionnels tout au long de l’image. Les paysages ne cessent de changer, passant de paysages banals comme les aéroports à des environnements hétérotopiques comme les cabines de sommeil japonaises où le sens commence à se dissoudre.

Villeneuve se moque des théories de la continuité en filmant cette histoire hors du temps (les dates progressent du 32 au 33 août et ainsi de suite) ainsi que de l’espace. Après avoir obtenu une première au Festival de Cannes 1998, le 32 août on Earth a réussi à remporter la victoire d’Alexis Martin dans le prix Jutra du meilleur acteur.

8. Prisonniers (2013)

Le film Prisoners de Villeneuve en 2013 est le premier projet qu’il réalise dans lequel il ne participe pas lui-même à l’écriture du scénario. L’histoire tourne autour d’une poursuite cérébrale et viscérale d’un criminel qui a enlevé deux jeunes filles.

Le symbolisme flagrant qui caractérise l’œuvre de Villeneuve joue un rôle subtil dans ce film à travers des mentions passagères et des images récurrentes de labyrinthes. Le père de l’une des filles disparues et un détective naviguent dans les dédales métaphoriques de leurs propres systèmes de croyances alors qu’ils se concentrent sur le suspect.

Violent et troublant, le film ne fournit aucune résolution à la manière postmoderne typique et nous laisse nous demander si cela était justifié.

7. Maelström (2000)

Maelström est une intersection fascinante de réalisme magique et de prédestination allégorique présentée à travers la belle cinématographie d’André Tupin. Les éléments visuels du film constituent une brillante déclaration poétique qui témoigne de l’élégance du talent de réalisateur de Villeneuve.

Produit de la vision radicale de Villeneuve, les événements du film sont racontés par un poisson qui sert à souligner l’absurdité de l’univers dans lequel se trouvent les personnages. Le réduire à une histoire de meurtre et d’amour serait une grande injustice pour le film comme chaque scène regorge d’éléments symboliques et de contre-narration.

6. Polytechnique (2009)

Polytechnique est la tentative de Villeneuve de recréer l’horreur du massacre de l’École Polytechnique de 1989 (également connu sous le nom de «massacre de Montréal») où un étudiant est entré dans une université armé d’un fusil et a assassiné des étudiantes comme un acte de guerre contre le féminisme.

Tourné artistiquement, Villeneuve nous oblige à regarder les séquelles violentes alors que la caméra fait lentement un panoramique pour peindre l’héritage de la haine. Le projet était farouchement controversé compte tenu du moment de sa sortie et de l’immense sensibilité du sujet mais, malgré cela, Villeneuve est resté fidèle à sa vision et a riposté contre les affirmations selon lesquelles il était trop tôt pour faire un film sur la tragédie. Le réalisateur et la distribution sont restés concentrés sur le tracé de la ligne délicate et, malgré l’autorisation de tourner le film sur le campus, Villeneuve a choisi de ne pas le faire dans le but de rester respectueux.

Karine Vanasse, qui a joué le rôle de Valérie, a contacté et rencontré les victimes et les familles impliquées dans l’incident. Selon le film, l’une des femmes impliquées dans le tournage confronte le tueur pour insister sur le fait que les étudiantes sont désormais féministes. «Une des femmes présentes m’a dit que c’était la première fois de sa vie qu’elle devait affronter sa féminité de front», a expliqué Vanasse.

Un long métrage profondément puissant et créatif avec toutes les sensibilités nécessaires pour réussir un tel projet.

5. Sicario (2015)

Sicario présente le scénario captivant de Taylor Sheridan qui prend vie grâce à la composition magistrale de Villeneuve de chaque élément du cinéma, de la conception sonore au chaos significatif de la mise en scène.

L’histoire introduit l’agent Kate Macer (joué par Emily Blunt), une forte protagoniste féminine, dans le monde dominé par les hommes des cartels de la drogue. Le résultat est une chasse à l’homme tendue et passionnante entrecoupée de clichés horribles, à la manière de Villeneuve, pour nous rappeler notre mortalité.

«Eh bien, tout d’abord, c’est un point de vue dérangeant», expliquait précédemment Villeneuve en évoquant le sujet du film. «Ce que j’aimais, c’était que cela soulevait des questions sur le monde dans lequel nous vivons. Et l’idée d’explorer le thème des cycles de violence, et cette idée de la tentation de rêver d’avoir des gens comme Alejandro [Benicio Del Toro’s character] cela peut résoudre des problèmes pour nous – tout cela était intriguant. L’idée d’être très violent et ce besoin d’avoir ce mal ou de l’anti-mal et de savoir simplement que la violence ne résoudrait rien.

«Sachant qu’il fera des choses très discutables. J’ai senti que c’était un scénario très fascinant, et surtout, un scénario qui comportait des moments cinématographiques très puissants. En tant que cinéaste, il y aurait de gros défis pour moi. Je sentais que j’étais prêt à essayer de faire un film d’action, mais j’essayais de trouver un film d’action avec de la profondeur – un film d’action significatif. J’avais en tête pendant un moment que ce serait génial de faire un hybride entre film d’art et film d’action. Et j’ai juste ressenti ça [“Sicario”] était le projet parfait pour cela.

4. Ennemi (2013)

Enemy occupe un espace unique dans l’œuvre de Villeneuve. Il est radical dans son allégorie alléchante et dérange profondément le spectateur. Denis Villeneuve renverse notre compréhension normative de l’autre étrange en faisant occuper ce rôle au frère jumeau du protagoniste.

Jouant sur des peurs communes comme l’arachnophobie, Villeneuve crée un environnement hostile teinté de sépia où notre sentiment de sécurité est constamment remis en question. Le dernier coup est peut-être le plus puissant dans lequel il bouleverse nos systèmes de croyance conventionnels.

«La majeure partie du film est tournée en studio, dans un environnement très contrôlé, et ce que j’ai dit au directeur de la photographie [Nicolas Bolduc] C’était la structure du scénario, les scènes étaient très précises, mais je voulais beaucoup improviser avec les acteurs et j’ai fait des tonnes de prises », a expliqué plus tard Villeneuve à propos de son processus. «Je faisais 25, 35, 40 prises avec Jake Gyllenhaal essayant d’explorer une approche plus profonde, d’aller au bord du chaos et de trouver une nouvelle façon d’agir. Pour cela, j’ai décidé qu’il n’y aurait pas de marques sur le sol, que les acteurs seraient libres dans l’environnement et nous avons travaillé avec une petite grue qui pouvait suivre leurs mouvements tout le temps. Les décors étaient éclairés de manière à ce que les acteurs trouvent essentiellement leur propre lumière. C’était très excitant. Le travail de contrôle portait sur la narration; avec le jeu d’acteur, j’essayais de repousser les limites et d’explorer de nouvelles façons de diriger. C’était un travail de collaboration.

3. Arrivée (2016)

Dans Arrival, Villeneuve rend adroitement l’étrangeté d’une histoire de science-fiction et nous familiarise avec ce qui est considéré comme étranger, lentement, à chaque plan. Basé sur le roman Story of My Life de Ted Chiang, ce film primé aux Oscars suit les difficultés de Louise (interprétée par Amy Adams), une linguiste, qui entreprend de briser la barrière de la langue entre une espèce extraterrestre et l’humanité.

Villeneuve mêle la vaste gamme d’éléments de science-fiction inter-galactiques aux détails intimes de la vie personnelle et les rend tous deux également pertinents. «Quand nous avons commencé, nous savions que c’était une histoire profonde et poétique», a déclaré Villeneuve. «C’était un défi de porter cela à l’écran parce que c’était un film de science-fiction que nous n’avons pas l’habitude de voir – le film de science-fiction qui dit quelque chose sur la réalité.

L’arrivée est un triomphe de l’expression artistique de Villeneuve.

2. Blade Runner 2049 (2017)

Blade Runner 2049 est une extension de l’œuvre de fiction phare, «Do Androids Dream of Electric Sheep?», De Philip K. Dick. Dans le roman, Dick choisit son protagoniste pour être un humain, Villeneuve défend le trope du protagoniste insignifiant et choisit un androïde, l’officier K (joué par Ryan Gosling).

À travers de magnifiques panoramiques de jungles urbaines éclairées au néon et de paysages couverts de poussière, Villeneuve brouille constamment la distinction entre ce qui est réel et ce qui ne l’est pas. Nous finissons par nous rapporter à l’androïde plus qu’à tout autre humain dans le film, car il illustre le vide de la vie moderne.

«Je voulais m’assurer que nous étions aussi fidèles au film noir que l’était le premier film», a commenté Villeneuve. «Je voulais que l’atmosphère porte la belle mélancolie qui était si puissante dans le premier film. Je voulais que le monde soit un monde sombre et sombre mais qu’il ait des étincelles de beauté – issues de la technologie ou de l’humanité.

«Je voulais montrer la relation de l’humanité avec la nature – comment les êtres humains sont de plus en plus déconnectés de la nature, comment nous essayons de contrôler la nature. Il y a un manque d’humilité. Nous essayons de contrôler la nature lorsque cette nature est de loin plus forte que nous. À la fin de la journée, je ne connais personne qui survivra à la nature.

1. Incendies (2010)

Incendies est le meilleur film de Villeneuve à ce jour car il est l’aboutissement complet de tous ses talents cinématographiques et de ses caractéristiques de réalisateur. Basé sur la pièce de Wajdi Mouawad, c’est un conte œdipien d’une famille et du sort cruel que la vie leur a infligé.

Dans un pays anonyme du Moyen-Orient, une paire de jumeaux canadiens tente de découvrir leur passé selon les dernières volontés de sa mère. Il y a un sentiment sous-jacent d’appréhension et de peur qui rend le passé et l’avenir tout aussi terrifiants.

Incendies est l’effort glorieux de Villeneuve pour découvrir un sens au milieu d’idées contradictoires comme la destruction de la guerre et l’unité de la famille. Elle nous ravage mais nous émerveille aussi de la beauté tragique que tisse Villeneuve.

«Je ne cherchais pas de matériel à adapter. Mes précédents films du 32 août sur Terre et Maelström étaient basés sur des scénarios originaux », a expliqué le réalisateur. «Mais après que nous soyons sortis du théâtre ce soir-là, ma femme m’a regardé et m’a dit: ‘Oh mon Dieu, tu vas filmer ça, n’est-ce pas?’ La pièce a duré trois heures et demie, très bavarde et pleine d’images théâtrales puissantes. Pourtant, j’ai pris ma décision tout de suite, et pendant les cinq années suivantes, je me suis réveillé chaque jour heureux de travailler sur le film.

Ajoutant: «Le but n’était pas d’être stupéfiant, pas de se montrer, surtout dans les scènes de guerre. Je voulais montrer le point de vue des victimes et ne pas rendre l’action passionnante. Il était important qu’il y ait une relation entre les paysages et les sentiments intérieurs des personnages qui les traversaient. J’ai essayé de ne jamais tomber dans le piège de l’exotisme.