Interview de Pretenders: la magie de l’écriture de chansons et comment MTV a tué le rock’n’roll

Il n’y a jamais eu personne dans le rock’n’roll comme Chrissie Hynde. Bien sûr, il y a eu des femmes qui ont secoué avant son arrivée sur les lieux il y a une quarantaine d’années, comme Wanda Jackson, les sœurs Wilson de Heart et Patti Smith. Mais Hynde a synthétisé les influences de toutes ces femmes en quelque chose de nouveau, et l’a complété avec de grandes côtelettes d’écriture et sa voix distincte. Pourtant, Hynde pourrait reculer devant la référence de genre.

«Mes modèles étaient des musiciens», me dit-elle. «Vous savez, mon modèle pourrait être Jeff Beck. Je savais que je ne jouerais jamais de guitare comme ça – mais je pensais que je pourrais lui ressembler! Le fait qu’il était un gars n’a même pas [factor] dans ça. »

Avec le reste des Pretenders originaux – le guitariste principal James Honeyman-Scott, le bassiste Pete Farndon et le batteur Martin Chambers – Hynde a fait l’un des meilleurs premiers albums de l’histoire du rock, et un second qui était presque aussi bon.

Après cela, la tragédie a frappé. Honeyman-Scott est décédé en 1982 et Farndon l’a suivi un an plus tard, les deux décès liés à la drogue. Depuis, Hynde a continué, avec The Pretenders, en tant qu’artiste solo et en collaboration avec d’autres musiciens. En cours de route, elle a marqué le succès occasionnel (Middle Of The Road, 2000 Miles, Thin Line Between Love And Hate) et s’est mêlée à divers genres, tout en restant fidèle au rock mélodique mais influencé par le punk que le groupe a établi à ses débuts. .

Hate For Sale, sorti l’été dernier, est le onzième véritable album de Pretenders et sans doute le meilleur depuis 1984 Learning To Crawl. C’est aussi leur premier album studio depuis Learning To Crawl à avoir les quatre Pretenders sur la cover. (Outre Hynde et Chambers, la formation actuelle est complétée par le guitariste principal James Walbourne et le bassiste Nick Wilkinson.)

Contrairement à Alone de 2016, Hate For Sale est un album concis: 10 chansons avec une durée combinée d’un peu plus d’une demi-heure. La chanson titre, Turf Accountant Daddy and I Didn’t Know When To Stop (qui parle de peinture) est des rockers serrés, dans votre visage, You Can’t Hurt A Fool et Crying In Public sont des ballades de premier ordre.

Don’t Want To Be This Lonely est un morceau rockabilly, Lightning Man est un hommage reggae à l’ami musicien décédé de Hynde, Richard Swift. Et Maybe Love Is In NYC gère le truc sympa de se balancer et d’être belle en même temps.

«Tout ce que nous avons entrepris de réaliser sur cet album, je pense que nous l’avons fait», dit-elle. «Alors ça fait du bien.»

Quand Hate For Sale est sorti, en juillet dernier, la première chose qui m’a frappé a été la pochette de l’album: le fait que les quatre Pretenders soient dessus. La dernière fois que c’est arrivé, c’était avec Apprendre à explorer. Cela ressemble beaucoup à un album de groupe. À quoi ressemblait l’enregistrement et qu’est-ce que chaque membre du groupe a apporté aux débats?

Je voulais vraiment enregistrer avec ces gars-là. Et je voulais écrire l’album avec James, ça fait longtemps que ça fait longtemps. Nous avons en fait commencé à écrire ces chansons il y a quelques années, mais ensuite nous étions en tournée et faisions d’autres choses. Ensuite, nous nous sommes réunis et avons terminé les chansons.

James et moi en avons beaucoup parlé: comment tout au long de nos dernières tournées, comment nous voulions faire un album avec un groupe de quatre musiciens. Vous savez, simplifiez-le. Apportez [producer] Stephen Street, avec qui nous avons tous deux travaillé individuellement auparavant. Martin a un style très distinctif, il apporte donc sa personnalité. Pareil pour Nick. Nous avons un vrai solide… je ne sais pas, la chimie. Nous nous amusons beaucoup quand nous jouons en live, et nous voulions vraiment intégrer cela dans cet album et en faire, numéro un, un album amusant.

Que pouvez-vous nous dire sur la chanson titre, qui est également la première de l’album?

C’était l’une des premières chansons que nous avons écrites. Et nous avons pensé que c’était un bon titre. Il ne s’agissait de personne en particulier, c’était juste plus de… Je suppose que vous pourriez dire un stéréotype. Love Is In New York City est un excellent morceau, avec de belles images et aussi un beau son de guitare. C’était en fait [inspired by] un de mes amis qui vit à New York, que j’ai connu toute ma vie.

Quand elle est venue me rendre visite, elle m’a donné un t-shirt qui disait: «Peut-être que l’amour est à New York». Et j’ai pensé: « Oh, quel super titre. » C’est de là que ça vient. C’est difficile de parler des chansons et de leurs origines et de quoi elles parlent… Je sais ce que le public veut savoir, c’est juste difficile d’en parler. Il y a le sentiment que si vous devez expliquer une chanson, alors la chanson n’a pas vraiment fonctionné. Mais ensuite je l’obtiens sous plusieurs angles.

Vous savez, le processus d’écriture est toujours différent avec chaque chanson. Il n’y a pas vraiment de méthode. Il y en a pour certaines personnes. Pour le moment, j’aimerais penser que cet album est plutôt rafraîchissant pour les gens qui aiment le rock à base de guitare. Parce qu’il y a de nombreuses années où tout se fait en studio et que les chansons sont écrites par comité. Je veux dire, j’ai vu des gens essayer de se réunir et d’écrire. Il s’agit d’écrire un hit.

Rien de mal à cela, c’est ce qu’ils faisaient traditionnellement dans le Brill Building, vous savez? Mais cela est devenu plus qu’un simple succès. Burt Bacharach et Hal David écrivaient des chansons et les donnaient à un grand chanteur comme Dionne Warwick. Mais ils ont adapté leurs chansons [to her], parce qu’ils connaissaient sa voix et qu’ils savaient qu’elle pouvait la livrer.

Maintenant – je ne critique même pas, c’est juste une observation – quelqu’un va écrire une chanson, l’envoyer à quelqu’un qu’il ne connaît pas, [and] la personne pourrait ou non le rejeter. S’ils ne l’utilisent pas, ils peuvent s’adresser à un autre groupe d’auteurs-compositeurs ou à un autre artiste. L’artiste change souvent une ligne et dit qu’il ne le fera pas à moins d’avoir un crédit pour l’écriture de chansons. Cet album est un peu oldschool.

Il y a quelque chose d’autiste dans le rock’n’roll. Ça ne change pas vraiment, tu sais? Format très simple, mais avec ces quatre pièces, vous pouvez faire beaucoup. Vous pouvez presque tout évoquer. Je suppose que c’est ce qui s’est passé quand le punk est arrivé. Les années soixante-dix avaient commencé, et il y avait du rock progressif et ça devenait un peu trop mou pour beaucoup de gens, alors ils voulaient le déconstruire.

Quoi qu’il en soit, cela continue par cycles. Vous êtes un écrivain de musique, nous pourrions avoir cette discussion dans n’importe quel bar du monde en ce moment. Tout le monde en parle tout le temps. «Que pensez-vous de la musique maintenant?» Je ne parle pas seulement d’une situation d’entrevue, mais juste du sujet. J’ai grandi à la fin des années 60… Vous savez, la radio AM s’est ensuite lancée dans la radio FM. La radio AM était d’un océan à l’autre et elle était très régionale. Chaque ville avait sa propre radio et sa propre playlist! Lorsque MTV est arrivé, tout a été filtré en une seule chose. Il fallait d’abord passer par une vidéo – souvent une vidéo soft-porn, parce que certains des artistes savaient que c’était vendu – et cela est devenu une sorte de musique de danse, je suppose.

Ce n’était plus du rock’n’roll. Si vous regardez des vidéos qui ont été faites à l’époque, elles semblent ridicules maintenant. La pomposité de celui-ci. Vous pouvez sentir l’argent qui y est entré. Je pense que nous sommes à un moment maintenant, surtout avec ce verrouillage, de rendre les choses simples à nouveau. Je veux dire, je vis seul. Je ne cuisine pas. Vous savez, si j’ai besoin de quelque chose à manger, je vais au magasin ou dans n’importe quel restaurant à proximité. Mais avec ça [pandemic], le hippie du riz brun en moi est réapparu. Et c’est une très bonne cuisinière, en fin de compte!

Bref, je pense que je parle trop.

C’est intéressant ce que vous avez dit à propos de la quarantaine et du fait que les gens recommencent à faire les choses eux-mêmes. Je suis un peu comme ça aussi. J’habite à New York. Je ne cuisine pas, il y a généralement des restaurants dans la rue. Mais au cours des deux derniers mois – pas que je sois devenue Julia Child – je cuisine pour la première fois. Tu sais ce que je veux dire?

[Laughs] Je pense que tout le monde en a fait l’expérience. Tout d’abord, tout le monde a réagi au retour de la faune. Je veux dire, les oiseaux – je ne les ai jamais entendus aussi fort. Tout est vibrant là-bas. Et quand je dis à quelqu’un que j’ai vraiment apprécié ça, presque tous ceux qui ont dit ça aussi disent: « En fait, moi aussi! » C’est comme s’ils ne voulaient pas le dire. Mais tout le monde a apprécié à quel point ils faisaient partie de la course des rats.

2020 marque les quarante ans depuis la sortie du premier album de Pretenders. Avez-vous déjà pensé à l’époque où vous faisiez cet album, ou même simplement en Angleterre à l’époque?

Eh bien, j’étais ici pendant un moment avant d’enregistrer l’album. Je ne savais pas ce que j’allais faire quand je suis arrivé en Angleterre. Je voulais juste voir le monde. J’étais à peu près sûr que je n’allais pas rester à Akron et je voulais être en Angleterre parce que c’est de là que venaient tous mes groupes préférés. Voilà, j’étais anglophile. J’ai déployé beaucoup d’efforts pour rassembler ce groupe et rencontrer les bonnes personnes. Je ne pouvais pas le comprendre dans la scène punk parce que, franchement, j’étais un peu plus diversifié musicalement.

Étant un Américain grandissant à la radio, j’avais quelques années de plus que la plupart des gens du punk. Ils ont tous grandi avec David Bowie et Roxy Music, mais j’ai grandi avec James Brown, Bobby Womack… À vingt-quatre ans, je pensais que j’étais trop vieux pour entrer dans un groupe. Puis le punk est arrivé. Il y avait des gens dans des groupes de New York qui étaient encore plus vieux que moi, et je me suis dit: « Putain, je le fais dans ce cas! »

Mais vingt-quatre, c’était à peu près le moment où vous sortiez d’un groupe. Vous savez, pensez à ce qu’a fait Otis Redding. Il est mort quand il avait, quoi, vingt-six, vingt-sept. Énorme héritage de la musique! Tim Buckley! Est mort quand il avait vingt-huit ans. Dix albums. Amy Winehouse est décédée à vingt-sept ans. Elle n’a pas fait autant d’albums, mais elle a eu un impact majeur, avec une voix originale.

Jimi Hendrix en était un autre.

Hendrix! Tu sais, mon homme. Je regarde une photo de lui en ce moment. Et puis vous avez Bob Dylan, qui va fort et il en pousse quatre-vingts! Il fait l’un des meilleurs travaux qu’il ait jamais fait. Écouter [Dylan’s latest album, released in 2020] Murder Most Foul m’a fait sortir de cet étrange état d’esprit lorsque le verrouillage a commencé.

C’était comme: « Qu’est-ce qui se passe, bordel? » Comme tout le monde, j’étais en quelque sorte à la dérive mentalement. Et puis quelqu’un m’a envoyé cette chanson, je l’ai écoutée et j’ai pensé: « Putain de merde! » Cela m’a vraiment sorti d’une sorte de malaise. Malgré le sujet sombre, il est toujours drôle! Bob est toujours drôle. Et cela m’a beaucoup parlé.

Hate For Sale est maintenant disponible via BMG