«Dans mon propre pays, je suis dans un pays lointain», ainsi commence l’épigraphe de François Villon qui ouvre le roman gonzo fondateur de Hunter S. Thompson, Hell’s Angels. Dans ce document, Thompson documente les modes de vie de la ramification la plus radicale de la contre-culture des années 1960 sous la forme de gangs de motards. Avec cette épigraphe qui remonte aux années 1400, il nous rappelle que si la contre-culture a pu être baptisée avec sa propre étymologie et propager sa propre iconographie reconnaissable dans une vague de propagande, elle était loin d’être une nouvelle sensation.
Comme Villon l’a poétisé il y a des siècles, un sentiment d’indifférence culturelle n’est pas nouveau. Dans le roman de Thompson, qui a été publié en 1967 deux ans avant la sortie d’Easy Rider, il dépeint le cirque voyou chevauché sur des moteurs grondants comme des voyageurs désabusés cherchant à reprendre des « coups de pied ». Des «coups de pied» qui, à leur avis, avaient navigué par eux dans une dérive sans bobine au ralenti d’oppression mécanique forcée.
La contre-culture n’était pas un mouvement de jeunesse tumultueux mais plutôt la manifestation d’une désillusion de masse et d’une position frustrée contre le bouleversement comateux de l’apathie et de l’inaction. Jusqu’à Easy Rider, la plupart des images qui tentaient de capturer l’air du temps échouaient sur ce front. Comme le dit Quentin Tarantino en discutant des films des années soixante en ligne, les enfants de la contre-culture ont pu identifier Easy Rider comme «un film pour nous, par des gens comme nous».
Tarantino va plus loin dans cette affirmation et appelle le film «le plus grand exemple du cinéma des années 60 à tous égards». Easy Rider a été le moment où «enfin un film et la contre-culture se sont liés».
Au cœur de la fable de la moto de Dennis Hopper se trouve l’un des principaux partisans de la diffusion de la demimonde des années 60 sur grand écran – Peter Fonda. Sa performance emblématique aux côtés de Jack Nicholson et Hopper lui-même a lancé le film indépendant dans le royaume du succès grand public. Parallèlement à l’acclamation critique du film, le film a suscité un intérêt commercial inattendu.
Le look bourru d’affiches de Fonda en était un élément essentiel. Il a rempli ce mantra du film très important de «regarder le rôle». Ce n’était pas seulement son apparence sculptée dans la pierre qui fonctionnait, mais le fait qu’il ne ressemblait pas à Hollywood. Il n’était pas une méga-star hydratée avec des pattes adhésives, mais une avance qui semblait incarner l’esthétique et l’attitude de l’époque, du moins en surface. C’était cette parenté entrelacée entre le cinéma et la réalité que la contre-culture avait aspirée, et quand Hopper et Fonda l’ont livrée, cela a touché une corde très profitable.
Easy Rider a continué à gagner environ 30 millions de dollars à l’époque, un montant tout simplement astronomique. Henry Fonda, le père de Peter, a fait remarquer que son fils avait créé par inadvertance un film qui rapportait plus d’argent que tout son ensemble.
Cette notion hors-la-loi de la présence à l’écran de Fonda a persisté tout au long de sa carrière. Quel que soit le rôle, il y a toujours eu ce courant sous-jacent emblématique d’un rebelle hippie. Le fait que sa carrière ait suivi une trajectoire alarmante et erratique après Easy Rider sert presque de preuve symbolique de cette incarnation extérieure.
Il s’est éloigné du courant dominant, tout comme les personnages vagabonds qu’il incarnait dans les années 60, puis est revenu à l’action avec sa performance de 1997 dans Ulee’s Gold, qui lui a valu une nomination aux Oscars. Pour beaucoup, ce cheminement de carrière capricieux était une danse forcée pour échapper à l’ombre menaçante de son père. Dans ses mémoires, il a décrit son père comme «un âne dur sans sourire, amer et strict», a-t-il ajouté: «Quand les gens me demandent ce que c’était que de grandir en tant que fils d’Henry Fonda, je leur demande s’ils ont vu Fort Apache. «
Sa vie troublée était intimement liée à la culture pop à plus d’un titre. Après le suicide de sa mère, Peter et sa sœur Jane ont déménagé dans la maison d’un oncle dans le Nebraska, où il s’est tué presque accidentellement. Le jour de son 11e anniversaire, il s’est involontairement tiré une balle dans l’estomac et a failli mourir. Des années plus tard, alors qu’il se débattait sur le LSD avec les Beatles, il a dit à John Lennon: «Je sais ce que c’est que d’être mort», une réplique que John Lennon a ensuite intégrée dans le «She Said, She Said».
Sa vie a été prise dans la culture pop dès le début, car son chemin d’acteur tordu avait été tissé par des figures mystiques du destin, ce qui fait qu’il s’est fermement écarté des lumières vives pour suivre son propre chemin. d’autant plus admirable.
Peter Fonda était une star qui a défié la célébrité, et ce faisant, il a encapsulé l’énergie bruyante d’une génération pas comme les autres.