De The Pretty Reckless à Black Sabbath: le meilleur nouveau vinyle sorti cette semaine

Mis à jour le 15 février 2021

Chaque semaine, nous allons jeter un œil à nos dix meilleurs disques préférés, sortis ou réédités sur vinyle. Depuis le début du nouveau siècle, le vinyle a fait un retour important pour compenser le manque de copies physiques de la musique. Alors que les formats numériques et les sites de streaming en ligne sont devenus la manière « normale » d’écouter de la musique, en déplacement et à la maison, les cassettes et les CD sont passés de mode, mais un format reste l’option tangible vers laquelle nous nous tournons tous.

La résurgence du vinyle a confirmé le désir, plus que le besoin, pour les gens de s’accrocher à quelque chose de plus tangible, généralement en plus de leur expérience d’écoute numérique. La plupart des maisons de disques, indépendantes, majeures et tout le reste, lors de la sortie et de la distribution de nouvelles versions, presseront et imprimeront le vinyle et le publieront en ligne.

Écouter du vinyle est sans doute la meilleure façon d’écouter de la musique; alors que certains peuvent ne pas être d’accord en faveur de la précision extrême des formats numériques, l’analogique est toujours supérieur au numérique malgré les commodités offertes par la technologie moderne. L’analogique ne limite pas la bande passante audio; une fois l’audio numérique enregistré, la bande passante est mise en place. De l’autre, l’audio analogique ne perdra pas sa qualité lors du passage d’une haute résolution à l’autre. Il n’est pas étonnant que le vinyle ait fait un retour sérieux.

Lorsque de nouveaux artistes et groupes sortent de la musique, on s’attend presque à ce qu’ils la sortent sur vinyle en plus du format numérique. Chaque semaine, nous explorerons les meilleures nouveautés sur vinyle que vous voudrez certainement mettre la main sur.

Cette semaine en particulier, il y a eu de superbes rééditions d’anciens disques sur vinyle, y compris Black Sabbath’s 1972 Vol. 4, Tapestry de Carole King, Encore Un Soir de Céline Dion, Roots and There No Place Like America de Curtis Mayfield, Pendulum de Creedence Clearwater Revival, Holy Diver Live de Dio et les débuts de Phil Collins, Face Value. En outre, il y a eu de grands débuts en vinyle – rien de moins qu’ambitieux – suggérant que la musique nouvelle et fraîche est toujours bien vivante.

Les 10 meilleures sorties / rééditions vinyles de la semaine

Dead Moon – Strange Pray Tell

Commençant par une réédition, cet album de 1992 punk revival, Strange Pray Tell est la fusion parfaite du post-punk avec l’esthétique punk originale de 1977. De Portland, Oregon, bien qu’ils fussent un groupe américain qui a développé une forte suite en Europe, grâce à leur son viscéral.

Menés par le chanteur / compositeur Fred Cole, ils avaient une forte suite underground sur la côte ouest. Dead Moon a rompu en 2006, et ils n’ont jamais connu de succès commercial jusqu’à ce que Pearl Jam, un autre rockeur de la côte ouest devenu grunge d’arène, perpétue l’héritage de Dead Moon en faisant une version live de leur chanson, «  It’s O.K  », dans laquelle ils serait la transition de leur chanson, «Daughter».

Goat Girl – On All Fours

Un favori personnel, cet album est sorti en ligne via Rough Trade Records le 29 janvier. Il est sorti en vinyle le 12 février et est le complément parfait à votre collection. Goat Girl est vraiment exceptionnelle et se distingue parmi la sursaturation de la similitude. S’il y a un retour de l’esthétique vintage des années 60 via l’écriture alternative des années 90, alors Goat Girl doit sûrement être en tête.

La chanteuse du groupe, Clottie Cream, semble vaguement familière à Justine Frischmann d’Elastica, et le reste du groupe présente d’autres similitudes; originaire de Londres, il n’est pas surprenant que Goat Girl puisse très bien être – intentionnellement – les héritières légitimes de la britpop des années 90. Vaut vraiment le détour.

Fawning – Illusions of Control

Illusions of Control est sorti sur vinyle le 11 février et mérite une place dans votre collection. C’est une explosion de rêve-pop, éthérée. Possédant des éléments du meilleur de The Cure, Slowdive, My Bloody Valentine et d’autres actes essentiels de shoegaze et d’ambiance, le son imprégné de réverbération de Fawning est à tomber par terre – ou peut-être juste pour s’endormir ou aller en voiture.

Parsemé de sons succulents et de sonorités cinématographiques gigantesques, l’album est soutenu par des structures et une orchestration complexes et dirigé par des mélodies des Beatles-Esque. Le disque est sorti via NeverNotGoth et vaut vraiment la peine d’être écouté. «Tout ce que j’ai» est un favori personnel.

The Pretty Reckless – Death by Rock and Roll

Ramenant le rock lourd de la vieille école, The Pretty Reckless sonne comme s’ils étaient en mission depuis l’enfer pour vous convertir en fangirls et garçons hurlants, rappelant un concert vu dans les années 60. Reprenant cette virtuosité musicale qui semble parfois manquer aux musiciens post-punk et indie, ce sont tous des joueurs très accomplis qui aident The Pretty Reckless à livrer des chansons qui donnent envie de faire du headbang avec une certaine crédibilité.

Dirigée par Taylor Momsen, une ancienne actrice qui est apparue dans l’émission Gossip Girl, a commenté sa transition d’acteur à rocking, «la musique est là où je peux être moi». Elle continue de dire à propos de sa précédente carrière réussie: «Il est facile d’agir. Je le fais depuis si longtemps et je l’adore totalement. Mais vous jouez un personnage au lieu de vous-même. La musique est plus personnelle parce que vous l’écrivez et que vous êtes impliqué à chaque étape. » C’est une musicienne convaincante et une putain de chanteuse de rock qui mérite d’être prise au sérieux.

Django Django – Glowing in the Dark

«Notre nom n’a absolument rien à voir avec Django Reinhardt», a écrit le groupe sur les réseaux sociaux. Le groupe d’art-rock basé à Londres, formé en 2009, possède un mélange intéressant de différents genres et de pousses de musique rock. Avec un soupçon de Talking Heads et de Devo, ils sont certainement les plus proches parents à porter cette tradition de sensibilités artistiques dans le milieu musical.

Glowing in the Dark est sorti le 12 via Because Music. Leur quatrième album a été produit par Dave Maclean, et est certainement un retour aux sons antérieurs trouvés dans les groupes de la nouvelle vague de la fin des années 70 et du début des années 80. Charlotte Gainsbourg, comédienne accomplie et fille du chanteur de French Chanson, Serge Gainsbourg, est en vedette sur le morceau «Waking Up».

Vous ne serez pas déçu de garder celui-ci sur votre étagère, préparé et prêt pour ce moment Django Django parfait.

EABS (Electro-Acoustic Beat Sessions) – Discipline of Sun Ra

L’un des groupes les plus intéressants travaillant aujourd’hui est en permanence à la pointe de la musique innovante. Ils sont vraiment indéfinissables; mélange de jazz fusion, de musique électronique, de funk et de jazz classique (notamment inspiré par Miles Davis). Marek Pędziwiatr, claviériste, chanteur et fondateur du groupe, a déclaré un jour dans une interview: «Nous sommes la nouvelle génération, nous avons grandi en écoutant le hip hop; nous avons appris à connaître le jazz plus tard.

Tous leurs instruments sont acoustiques, conservant un véritable élément organique à leur groupe. Malgré leur incroyable mélange de genres – ce n’est même pas la partie la plus unique de leur groupe – Spisek Jednego du groupe utilise un tourne-disque pour faire de la musique. Il a commenté ceci: «La particularité du tourne-disque est qu’en le touchant, vous pouvez faire différents sons intéressants, non seulement en jouant la piste originale, mais aussi en modifiant ces sons. Le seul inconvénient est qu’un tourne-disque n’est pas un instrument acoustique. Je dépends de l’électricité. Je ne peux pas rester dans la rue et jouer.

God is an Astronaut – Ghost Tapes #10

Marquant magnifiquement une ligne entre le métal, l’industriel, l’électronique et le post-rock, God is an Astronaut’s Ghost Tapes # 10 est fascinant. La musique est méditative, rock, forte, douce, passionnante et pensive. Sur le disque, ils explorent l’espace dans la musique qui déclenche l’imagination.

Ce qui est encore plus fascinant, c’est leur capacité à garder l’auditeur enfermé, tout en étant strictement un groupe instrumental. Ils viennent du comté de Wicklow en Irlande et continuent de vendre des spectacles à New York et à Los Angeles.

C’est un moment charnière pour le groupe et une reprise essentielle.

Guy Blakeslee – Postcards from the Edge

Le musicien acclamé par la critique, Guy Blakeslee, a sorti des albums sous son propre nom et sous le surnom d’Entrance, depuis 2003. Lorsque Blakeslee a commencé à travailler sur cet album, il avait subi une expérience transformatrice et, en raison d’un accident presque fatal, a dû revenir à la côte est de Los Angeles.

«Ensuite, j’ai vécu des aventures folles à partir de ce moment-là jusqu’à ce que je me retrouve finalement à Los Angeles et que j’ai commencé à essayer de l’enregistrer et de transformer toutes ces expériences en quelque chose. Il a tenté de canaliser le temps que le chanteur était à Paris, et Donald Trump venait d’être élu président, pour aggraver les choses, Leonard Cohen était décédé.

Tous ces événements bizarres et quelque peu tragiques se sont produits et Blakeslee voulait capturer ces moments sur disque. «Beaucoup de ces choses se produisaient lorsque je commençais à écrire les chansons. Ce fut un moment important dans cette transformation de regarder le monde à travers des yeux différents et de se tenir debout dans le cimetière, entouré d’un souvenir de personnes qui étaient parties et du sentiment que l’Amérique pourrait aussi être partie. Blakeslee capture ce sentiment sentimental de perte de manière dynamique dans son dossier.

His Name is Alive – Hope is a Candle

Un groupe expérimental originaire de Livonia, Michigan, Hope is a Candle, sorti par Disciples, est minimal et ambiant mais imprégné d’un rythme de danse décalé particulier. On peut l’imaginer être la bande originale d’un film d’art-house se déroulant au fond des bois en Scandinavie. Il est mystique, atmosphérique et apparemment grouillant de retard de bande et est laconique dans sa livraison.

L’album est définitivement unique dans ses qualités artistiques; il est difficile de le comparer à autre chose et pourrait bien faire pour une écoute ambiante ou pour écouter seul dans une pièce sombre et fraîche. Quoi qu’il en soit, cela vaut vraiment la peine d’être écouté sur vinyle – il est beau dans son mystère.

Black Sabbath – Vol. 4

Bookended par une autre réédition, ce rocker d’or vendu a été initialement publié en 1972. C’était le premier album que le guitariste Tony Iommi entreprendrait des tâches de production; Rodger Bain a produit les albums précédents. Ozzy Ozbourne a commenté ceci: «Auparavant, nous avions Rodger Bain en tant que producteur – et, bien qu’il soit très bon, il ne ressentait pas vraiment ce que le groupe faisait. C’était une question de communication. Cette fois, nous l’avons fait avec Patrick, notre manager, et je pense que nous sommes tous très heureux, c’était super de travailler dans un studio américain.

La réédition de l’album comprend des chansons récemment remasterisées ainsi que 20 enregistrements studio et live inédits. Apparemment, le processus d’enregistrement a été sporadiquement interrompu par des problèmes croissants de consommation de drogues; le groupe aurait des enceintes remplies de cocaïne livrées au studio. Bill Ward, le batteur du groupe, craignait d’être renvoyé à cause de ses sentiments concernant le morceau et de sa difficulté initiale à le jouer. Ward a déclaré: «J’ai détesté la chanson, il y avait des modèles qui étaient tout simplement horribles. Je l’ai cloué à la fin, mais la réaction que j’ai eue a été l’épaule froide de tout le monde. C’était comme « Eh bien, rentre chez toi, tu n’es d’aucune utilité pour le moment. » J’avais l’impression de l’avoir soufflé, j’étais sur le point de me faire virer.

Le titre provisoire de l’album était Snowblind, qui serait considéré par la maison de disques comme une référence trop évidente à la cocaïne, qu’ils seraient obligés de ne pas le faire. Cependant, Ozzy Osbourne se réfère toujours à ce disque en tant que tel. «Snowblind était l’un des meilleurs albums de Black Sabbath – bien que la maison de disques ne nous ait pas laissé garder le titre, parce qu’à l’époque la cocaïne était un gros problème, et ils ne voulaient pas les tracas d’une controverse. Nous n’avons pas discuté.