De Kiarostami à Farhadi: 10 films incontournables de la nouvelle vague iranienne

« Dans l’obscurité totale, la poésie est toujours là, et elle est là pour vous.»- Abbas Kiarostami

Bien qu’il soit généralement noté que le cinéma iranien de la nouvelle vague était à son apogée après la révolution iranienne de 1979 lorsque Shah Mohammad Reza a été remplacé par une république islamique sous le grand ayatollah Ruhollah Khomeini, la nouvelle vague iranienne a en fait commencé près de deux décennies avant la révolution . Les films de cette période se sont éloignés des œuvres produites industriellement et ont commencé à ressembler à des documentaires sociaux qui enquêtaient sur les problèmes culturels auxquels la population était confrontée au quotidien.

Ce mouvement se décompose généralement en trois vagues distinctes, la deuxième vague étant la plus reconnue internationalement. Le cinéma iranien de la nouvelle vague est souvent comparé au néoréalisme italien, mais de nombreux critiques ont déjà souligné que les films avaient leurs propres styles esthétiques caractéristiques. Le langage cinématographique spécial défendu par la nouvelle vague iranienne examine la nature du médium cinématographique lui-même, brouillant les frontières entre la fiction des longs métrages et la réalité du cinéma documentaire.

L’une des figures de proue de la deuxième nouvelle vague, Abbas Kiarostami a dit un jour: «Chaque film a sa propre pièce d’identité ou certificat de naissance. Un film parle d’êtres humains, d’humanité. Toutes les différentes nations du monde, malgré leurs différences d’apparence, de religion, de langue et de mode de vie, ont encore une chose en commun, et c’est ce qui est à l’intérieur de nous tous. Si nous passions aux rayons X l’intérieur de différents êtres humains, nous ne pourrions pas dire à partir de ces rayons X quelle est la langue, l’origine ou la race de la personne.

«Notre sang circule exactement de la même manière, notre système nerveux et nos yeux fonctionnent de la même manière, nous rions et pleurons de la même manière, nous ressentons la douleur de la même manière. Les dents que nous avons dans la bouche – quelle que soit notre nationalité ou nos antécédents – font exactement la même chose. Si nous voulons diviser le cinéma et les sujets du cinéma, la façon de le faire est de parler de douleur et de bonheur. Celles-ci sont communes à tous les pays. »

Dans le cadre de notre coup de projecteur hebdomadaire sur le cinéma mondial, nous examinons quelques-unes des œuvres définitives de la Nouvelle Vague iranienne afin de comprendre les sensibilités artistiques uniques de cet important mouvement de l’histoire du cinéma.

10 films incontournables de la nouvelle vague iranienne:

Les précurseurs du cinéma iranien New Wave

La maison est noire (Forough Farrokhzad – 1962)

D’une durée de seulement 22 minutes, The House is Black se déroule dans une léproserie du nord de l’Iran et tente de rechercher la beauté de la création dans une société délaissée où la laideur est devenue un problème de santé. Il combine les images déchirantes avec la narration de Farrokhzad de citations de l’Ancien Testament, du Coran et de sa propre poésie. Lors du tournage du court métrage, elle s’est attachée à un enfant de deux lépreux, qu’elle a ensuite adopté.

Dans une interview avec Bernardo Bertolucci, Farrokhzad a déclaré: «Un intellectuel est celui qui, en plus d’essayer le développement extérieur de la vie, essaie de progresser spirituellement, d’améliorer les problèmes moraux. Et il regarde ces problèmes, y pense et les résout lui-même. Plus que ceux qui réalisent une série d’actions… techniques ou économiques.

https://www.youtube.com/watch?v=cpZ9stU_O7E

Brique et miroir (Ebrahim Golestan – 1964)

Souvent considéré comme le premier chef-d’œuvre moderne du cinéma iranien, le long métrage poétique d’Ebrahim Golestan raconte l’histoire d’un chauffeur de taxi qui trouve un bébé sur la banquette arrière de son taxi une nuit après avoir conduit une jeune femme. Lui et sa petite amie essaient de décider quoi faire de cet enfant indésirable alors que le film établit ce que signifie le mot «humain» dans un monde changé.

Influencé par les œuvres de Michelangelo Antonioni et d’autres films européens des années 1950 et 1960, Golestan utilise les fioritures modernistes pour présenter une enquête métaphysique sur les dilemmes éthiques. Il utilise des modèles spécifiques de silence et de dialogue pour transcender le domaine des mots et atteindre les sommets de la poésie cinématographique.

https://www.youtube.com/watch?v=X-gfNZqKULw

Première vague

La vache (Dariush Mehrjui – 1969)

Basé sur la pièce et le roman de Gholam-Hossein Saedi, The Cow est souvent cité par la critique comme le premier film de la nouvelle vague iranienne. Œuvre hautement symbolique, elle examine l’appauvrissement rural sous le règne du Shah à travers une histoire allégorique sur un homme d’un petit village iranien qui aime sa vache plus que toute autre chose. Quand il meurt mystérieusement, il commence à s’identifier à la vache et croit qu’il vit en lui.

Au fil des ans, The Cow a été loué pour ses explorations des théories marxistes de l’aliénation sociale. Il fait la satire de l’exploitation économique de la nature et de la nature superstitieuse de la population rurale et il fait tout cela et plus simplement en présentant une histoire trompeusement simple sur un homme et sa vache.

https://www.youtube.com/watch?v=VN66CLqkEZ4

Qeysar (Masoud Kimiai – 1969)

Le drame policier de Masoud Kimiai en 1969 a créé une nouvelle tendance de films noirs broody dans le cinéma iranien qui jouait avec le thème de l’honneur de la famille et de la vengeance. Passant entre le cinéma vérité et les préférences stylistiques des westerns spaghetti, Qeysar met en vedette l’Iranien Clint Eastwood Behrouz Vossoughi qui se propose de venger l’honneur décrié de sa sœur.

Kimiai a déclaré: «Ma vision du cinéma à cette époque était complètement différente de la conception commune du cinéma en Iran. Pourtant, quand j’ai fini de faire Qeysar, je ne pouvais pas imaginer l’effet que cela aurait sur la société. Quand il s’agit de la réaction des gens ou des critiques à une œuvre, rien ne peut être anticipé.

«La vérité est qu’aucun mouvement conscient et pré-planifié ne fonctionnerait jamais au cinéma – une certaine spontanéité est toujours nécessaire. Mais il est vrai que je ne me voyais pas comme faisant partie du cinéma iranien de cette époque. Les choses étaient prêtes pour moi.

Nature morte (Sohrab Shahid Saless – 1974)

Ce drame de 1974 est un regard minimaliste sur la nature fondamentalement isolée de notre existence à travers le prisme d’un brigadier vieillissant qui travaille dans une gare désolée depuis plus de trois décennies. Il questionne la monotonie de nos vies, détruisant les binaires du cinématographique et du réel. Le film a été inscrit au 24e Festival international du film de Berlin, où il a remporté l’Ours d’argent.

«Dans Still Life, les femmes sont des objets féminins qui sont utilisés quand elles sont là et dont l’absence n’a aucune importance», a déclaré le cinéaste. «Cela fait référence à une certaine tradition dans notre pays et ailleurs qui attribue aux femmes un rôle reproductif. Elle n’a pas d’autre choix.

Deuxième vague

Gros plan (Abbas Kiarostami – 1990)

Sans doute le plus grand cinéaste de la nouvelle vague iranienne, Abbas Kiarostami brouille magistralement les distinctions entre fiction et non-fiction, entre fantaisie et réalité dans son docudrame postmoderne, Close-Up. De nature profondément méta-fictionnelle, Kiaorostami examine les rôles performatifs que nous jouons tous avec la précision d’un chirurgien et la touche délicate d’un poète.

Sur la base d’événements réels, Kiarostami met l’accent sur la partie «création» d’une reconstruction qui présente l’histoire tragique d’un aspirant cinéaste au chômage, Hossein Sabzian. Close-Up est une psychanalyse cinématographique magnifique mais troublante d’un homme ordinaire.

Le réalisateur a expliqué: «Dans ce type de cinéma, que vous travailliez avec des acteurs ou des non-acteurs, autant que vous les dirigiez, si vous vous permettez d’être dirigé par eux, le résultat final sera beaucoup plus agréable. Les forces réelles et individuelles des acteurs peuvent être exprimées et cela affecte le public très profondément.

Un moment d’innocence (Mohsen Makhmalbaf – 1996)

L’un des films les plus brillants de cette liste ainsi que l’histoire du cinéma iranien, A Moment of Innocence est un récit semi-autobiographique des propres expériences du cinéaste en tant que rebelle de dix-sept ans qui a poignardé un policier lors d’un rassemblement de protestation et a été arrêté. Deux décennies plus tard, Makhmalbaf tente de recréer les événements sur le cinéma. C’est une belle expérience narrative qui déconstruit ce que signifie le cinéma sans aucune arrogance suffisante qui est généralement associée à de telles déconstructions.

Makhmalbaf a déclaré: «Après la révolution, je suis allé au cinéma et j’ai réalisé que le cinéma est un meilleur outil pour changer la société. Après la prison et la révolution, j’ai été étonné [to find] que nous avions un problème dans notre culture.

«Ce n’est pas seulement en politique – nous avons changé notre roi, nous avons changé le système, mais nous n’avons pas été en mesure de changer notre culture. Alors j’ai pensé que ce serait mieux si je changeais ma position de la politique à l’art, et en changeant l’esprit des gens par l’art et la caméra.

https://www.youtube.com/watch?v=wD–p4hOh6s

Enfants du ciel (Majid Majidi – 1997)

Le drame de Majid Majidi en 1997 a été comparé au chef-d’œuvre de Vittorio de Sica en 1948, Bicycle Thieves et pour une bonne raison. Il raconte l’histoire de deux frères et sœurs, Ali et Zahra, qui se sont lancés dans une aventure amusante et réconfortante après qu’Ali ait accidentellement perdu les chaussures de sa sœur. Le film a été nominé pour l’Oscar du meilleur film étranger, mais a finalement perdu face à Life is Beautiful de Roberto Benigni.

Majidi a expliqué pourquoi il préfère observer le monde du point de vue des enfants. »Le monde des enfants, c’est le monde de la pureté et de la sincérité… ils croient tout ce que vous leur dites. Il a également ajouté: « L’innocence des enfants aura un impact sur les adultes, et c’est ce que je veux toujours exprimer. »

Troisième vague

Un temps pour les chevaux ivres (Bahman Ghobadi – 2000)

Co-lauréat du prix de la Caméra d’Or au Festival de Cannes, ce drame hors du commun a été tourné dans le village natal du réalisateur avec de brillants non-professionnels. Il suit une famille de cinq personnes qui sont forcées de survivre seules dans un village kurde à la frontière de l’Iran après la mort de leur père, illustrant leurs luttes quotidiennes.

Ghobadi a déclaré: «Mon film est pour le peuple kurde. Il y a environ 30 millions de Kurdes dispersés par les guerres au fil des ans en Iran, en Irak, en Turquie et en Syrie, bien qu’ils soient originaires d’Iran. Seulement 10 à 20 000 personnes environ sont impliquées dans les combats au Kurdistan.

«Je ne prends pas parti pour la guerre entre les peuples. Je n’aime pas la politique. C’est pourquoi je ne suis pas un cinéaste politique. Je veux seulement faire des films sur mon peuple, la réalité du peuple kurde, qui ne concerne pas les guerres, mais une vérité plus positive.

Une séparation (Asghar Farhadi – 2011)

L’exemple le plus récent des sensibilités de la nouvelle vague iranienne sur cette liste, le drame familial psychologiquement complexe d’Asghar Farhadi explore les implications sociales de l’institution du mariage à travers les conflits auxquels un couple de la classe moyenne est confronté. La cinématographie intime de Mahmood Kalari et les nuances éthiques du récit en font un descendant remarquable de la nouvelle vague iranienne.

A Separation a été le premier film iranien à remporter l’Ours d’or. Il a remporté le Golden Globe du meilleur film étranger et une nomination aux Oscars pour le meilleur scénario original, le premier film non anglais en cinq ans à atteindre cet objectif.

Farhadi a commenté: «Ce type de film permet au public de découvrir par lui-même – je vois cela comme un art moderne; un art dans lequel l’artiste ne regarde pas son public d’un niveau supérieur et n’impose pas son point de vue au spectateur.

«Si vous donnez une réponse à votre spectateur, votre film se terminera simplement dans le cinéma. Mais lorsque vous posez des questions, votre film commence en fait après que les gens l’ont regardé. En fait, votre film continuera à l’intérieur du spectateur. L’important est de penser et de donner au spectateur l’occasion de réfléchir. En Iran, plus que toute autre chose pour le moment, nous avons besoin que le public réfléchisse.