10 films incontournables de la New Wave australienne

Mis à jour le 7 février 2021

« Si je ne peux pas faire le genre de film que je veux faire, alors bon sang.»- Peter Weir

Souvent appelé la Renaissance du cinéma australien, ce mouvement est largement reconnu comme la force artistique qui a relancé à lui seul l’originalité qui s’estompe des films australiens. Débutant au début des années 1970, la New Wave australienne a produit des œuvres extrêmement honnêtes et délicieusement imaginatives au cours des deux prochaines décennies, qui ont présenté le cinéma australien à un public mondial.

Après la Seconde Guerre mondiale, l’industrie cinématographique australienne avait sévèrement décliné mais une nouvelle génération de cinéastes se concentrait sur la manifestation de leurs rêves sur grand écran. Les films de cette période ont été marqués par leur vision sans compromis et leur directivité face aux représentations cinématographiques de la violence, de la sexualité et des problèmes universels de la condition humaine.

L’une des figures de proue de la Nouvelle Vague australienne, Peter Weir, a rappelé dans une interview: «Il n’y avait vraiment pas de culture ici quand je grandissais. Pas de grandes collections de peintures, et très peu de philanthropes, comme dans votre pays, qui prendraient leurs gains mal acquis et les dépenseraient pour l’art comme moyen d’expiation.

Il a ajouté: «Cela semble curieux à dire, mais le paysage, la nature elle-même, a probablement été la plus grande influence sur moi, en particulier étant ici dans ce grand pays vide et vivant au bord de la mer comme je l’ai fait. Je pense que c’était ma galerie d’art. C’était une époque où les enfants étaient toujours commandés à l’extérieur, et vous pouviez simplement vous promener, descendre dans la baie. L’ennui peut être un énorme avantage pour quiconque a de l’imagination.

Dans le cadre de notre coup de projecteur hebdomadaire sur le cinéma mondial, nous revisitons 10 films incontournables de la New Wave australienne afin de comprendre comment de nouvelles forces créatives ont facilité la renaissance du cinéma australien.

Les 10 meilleurs films de la New Wave australienne:

Wake in Fright (Ted Kotcheff – 1971)

L’un des premiers et meilleurs exemples de la nouvelle vague australienne, le thriller psychologique fondateur de Ted Kotcheff est basé sur le roman éponyme de Kenneth Cook de 1961. Situé dans l’Outback Australie, Wake in Fright présente le cas d’un jeune instituteur aux prises avec les concepts de moralité et de sens. On pensait que le négatif principal du film avait été perdu, mais ce classique culte a été restauré avec succès en 2004.

«Je voulais recréer ce que je ressentais et voyais – la chaleur, la sueur, la poussière, les mouches», a déclaré Kotcheff. «J’ai dit au décorateur et au costumier: ‘Je ne veux pas voir de couleurs sympas. Je ne veux pas voir de bleu ou de vert. Déjà. Sur n’importe quoi. Tout ce que je veux, c’est du rouge, du jaune, de l’orange, du bordeaux et du marron. Toutes les couleurs chaudes. Sur les costumes, les décors, tout. Je voulais que les gens regardent le film et transpirent inconsciemment.

Pique-nique à Hanging Rock (Peter Weir – 1975)

Probablement l’œuvre la plus emblématique et la plus célèbre du mouvement cinématographique, la brillante adaptation de Peter Weir du roman de Cliff Green de 1967 raconte l’histoire d’un groupe d’écolières qui disparaissent mystérieusement lors d’un pique-nique le jour de la Saint-Valentin. C’est un film qui parvient à déstabiliser le spectateur sans recourir aux tropes surutilisés du genre d’horreur.

Weir a révélé: «Mon seul souci était de savoir si un public accepterait une idée aussi scandaleuse. Personnellement, j’ai toujours trouvé que c’était l’aspect le plus satisfaisant et le plus fascinant du film. Je trouve généralement les fins décevantes: elles ne sont absolument pas naturelles. Vous créez la vie à l’écran et la vie n’a pas de fin. C’est toujours passer à autre chose et il y a toujours des éléments inexpliqués.

Dimanche trop loin (Ken Hannam – 1975)

Ce film de 1975 contient la plupart des éléments importants de la nouvelle vague australienne, présentant un isolement fondamental qui submerge le public lorsqu’il est contextualisé dans le cadre d’un paysage impitoyable. Il met en vedette Jack Thompson en tant que tondeur d’armes à feu qui caractérise la culture masculine australienne.

Le film a été un succès critique et commercial, rapportant 1 356 000 $ au box-office en Australie. Il a également remporté trois prix de 1975 de l’Australian Film Institute, dont les très convoitées catégories du meilleur film, du meilleur acteur et du meilleur second rôle.

Le terrain de jeu du diable (Fred Schepisi – 1976)

Œuvre semi-autobiographique profondément personnelle et émouvante, The Devil’s Playground suit l’histoire du passage à l’âge adulte d’un garçon dans un séminaire catholique conservateur. Il pose des questions pertinentes de foi et de sexualité, remettant en question l’action d’un individu sur son propre corps lorsqu’il est soumis à des restrictions religieuses et à des codifications morales.

Schepisi a commenté: «Je n’ai pas de précédents cinématographiques, je n’en ai tout simplement pas. Je ne suis pas assez stupide pour croire qu’ils ne sont pas absorbés, mais je ne suis pas un seul style de cinéaste. Le matériau dicte ses besoins. Ce que je dirais à propos de The Devil’s Playground, c’est que je l’ai édulcoré car, en fait, il m’a fallu cinq ans pour rassembler l’argent et plus de la moitié de l’argent était à moi, et j’ai dû réinvestir autant d’argent pour l’obtenir. en dehors. J’ai dû louer le cinéma. Personne n’a aimé le film jusqu’à ce que je l’ai sorti, ce que je trouve assez remarquable.

Ma brillante carrière (Gillian Armstrong – 1979)

Situé dans l’Australie rurale à la fin du XIXe siècle, l’époustouflant drame d’époque de Gillian Armstrong est basé sur le roman de Miles Franklin et raconte l’histoire d’une femme talentueuse qui veut être écrivain mais est étouffée par les préjugés normatifs de la société et de la romance. My Brilliant Career a reçu plusieurs prix et nominations, dont des candidatures aux Oscars et aux Golden Globe.

Armstrong a déclaré: «Ce que j’ai toujours détesté, depuis le tout début de ma carrière, c’est comment j’ai toujours été étiquetée comme une ‘femme réalisatrice’. Je n’ai pas été simplement étiqueté comme «Gillian Armstrong, directrice». J’avais l’impression que c’était une sorte de sexiste et de condescendance que vous ne disiez pas avant le «  réalisateur masculin  » de Phillip Noyce et les questions qui m’ont été posées concernaient toujours les femmes dans mes films, comme si je ne suis pas réellement un artiste en trois dimensions, à la place. Je ne suis qu’une personne qui a été mise sur Terre pour faire des promos maladives sur les femmes.

Mad Max (George Miller – 1979)

L’influence du film de science-fiction original de George Miller de 1979 sur le genre ne peut guère être surestimée. Mad Max brosse un tableau fascinant d’un futur dystopique où la violence et l’effondrement de la société sont devenus partie intégrante du paysage. Mel Gibson incarne Mad Max, le seul lien restant avec les systèmes de valeurs que nous connaissons et le vide nihiliste de cette nouvelle terre.

Miller a expliqué: «J’étais très intéressé par le personnage et par la manière dont les histoires de Max sont racontées – ce sont essentiellement des histoires allégoriques de la même manière que le western classique. Max est un personnage qui est entraîné dans cette histoire qui est ce genre de vagabond dans les terres en friche, à la recherche d’un sens dans un monde très austère.

Breaker Morant (Bruce Beresford – 1980)

Le drame historique de Beresford en 1980 remet en question les hypocrisies infinies de la guerre à travers l’histoire de trois responsables militaires qui étaient en cour martiale pour leurs crimes de guerre. Le film a été un succès au box-office et a remporté 10 prix de l’Australian Film Institute, gagnant également une nomination aux Oscars pour le meilleur scénario adapté.

Beresford a précisé: «Je ne voulais pas faire de ces hommes des héros. Je n’essayais pas de blanchir la situation. Ce qui m’intéressait, c’était la responsabilité morale en temps de guerre… Le film n’a jamais prétendu un seul instant qu’ils n’étaient pas coupables. Il a dit qu’ils étaient coupables. Mais ce qui était intéressant, c’est qu’il analysait pourquoi les hommes dans cette situation se comporteraient comme ils ne s’étaient jamais comportés auparavant dans leur vie.

«Ce sont les pressions qui sont exercées sur les gens en temps de guerre… Regardez tout ce qui se passe dans ces pays, commis par des gens qui semblent tout à fait normaux. C’est ce que je voulais examiner. Je suis toujours étonné quand les gens me disent que c’est un film sur les Australiens pauvres qui ont été encadrés par les Britanniques.

Bliss (Ray Lawrence – 1985)

La brillante comédie dramatique de Ray Lawrence de 1985 lance une puissante enquête philosophique sur la dichotomie entre la vie et la mort. Il fait suite à l’expérience de mort imminente d’un homme convaincu qu’il est en enfer après avoir survécu à une crise cardiaque. Bliss a une place unique dans la Nouvelle Vague australienne car elle s’écarte du réalisme de ses prédécesseurs et anticipe les expériences modernistes des années 90.

Lawrence n’a pas fait un autre film pendant 16 ans après la sortie de Bliss. Il a expliqué: «Je travaillais sur beaucoup d’autres projets mais malheureusement aucun d’entre eux n’a réussi à être financé. Il y en a eu un certain nombre au fil des ans: Tracks, basé sur le livre de Robyn Davison; Sweetlip, qui a été placé dans le nord tropical de l’Australie, un mystère de meurtre; et Machete, situé sur la côte ouest dans une ville du désert. Cette histoire a été le début de mon intérêt pour les différences entre les hommes et les femmes. Ils ont tous atteint le projet final.

L’année où ma voix s’est cassée (John Duigan – 1987)

L’un des meilleurs films australiens sur le passage à l’âge adulte de tous les temps, The Year My Voice Broke explore les défis de l’adolescence à travers le récit de Danny, un adolescent maladroit vivant dans la campagne australienne et qui tombe amoureux. Basé sur les propres expériences de Duigan, ce chef-d’œuvre de 1987 a remporté le prix du meilleur film de l’Australian Film Institute.

Dans une interview, Duigan a déclaré: «Mon principal domaine d’étude à l’université était la philosophie et j’ai envisagé l’idée d’aller à Cambridge et d’y faire un doctorat, mais j’ai fini par choisir de travailler dans l’industrie cinématographique. Je pense que l’intérêt pour l’éthique a toujours été constant pour moi et, dans une certaine mesure, a une sorte de résonance dans de nombreux films que je fais, mais pas dans tous.

Celia (Ann Turner – 1989)

Conte sombre et quasi surréaliste de la perte de l’innocence de l’enfance, ce film d’horreur australien de 1989 se concentre sur le cas curieux d’une jeune fille qui fait face aux terreurs du monde réel en inventant les siennes. Le film se livre également à des commentaires politiques pertinents, examinant les chasses aux sorcières communistes et la «Red Scare» des années 1950.

Turner a déclaré: «Ce qui me distingue le plus, c’est la représentation de l’enfance, dans tout son bonheur et son horreur, jouée à travers des activités quotidiennes de banlieue, dans un contexte politique. J’aime le mélange du personnel et du politique. La principale interprétation que j’ai eue lors de la sortie du film, et lors de mes voyages internationaux dans des festivals de cinéma, était à quel point l’expérience de l’enfance est universelle – traverser les frontières et les générations. À l’époque, cela m’a pris un peu par surprise, car j’avais écrit si spécifiquement sur une enfance australienne.