« Je préfère que le familier soit rendu étrange.»- Nicolas Roeg
Le cinéaste et directeur de la photographie anglais Nicolas Roeg est connu pour son style visuel et narratif unique, qui est évident dans ses œuvres comme Don’t Look Now et The Man Who Fell to Earth. Souvent compté parmi les cinéastes les moins célèbres mais les plus influents du dernier demi-siècle, Roeg est décédé il y a deux ans à l’âge de 90 ans mais son héritage sans tache est conservé au panthéon du grand cinéma. Certains des plus grands cinéastes contemporains ont cité Roeg parmi leurs influences, notamment Steven Soderbergh, Christopher Nolan et Danny Boyle. Qu’est-ce qui a changé le cinéma pour toujours dans l’art de Roeg?
Né dans le nord de Londres en 1928, Roeg a soutenu qu’il était intéressé par l’industrie cinématographique dès son plus jeune âge uniquement parce qu’il y avait un studio en face de chez lui. Il est fascinant de constater que Roeg a fait ses débuts en tant que réalisateur 23 ans après son entrée dans le monde du cinéma. Il a commencé par travailler comme caméraman sur plusieurs productions cinématographiques et a même fait partie de Lawrence d’Arabie (1962) de David Lean en tant que directeur de la photographie de deuxième unité. Bien que Lean l’ait également engagé pour son projet de 1965, Doctor Zhivago, leurs sensibilités artistiques étaient incompatibles et il a finalement été renvoyé. Il a travaillé comme directeur de la photographie sur des projets plus prestigieux comme Fahrenheit 451 de François Truffaut et Far from the Madding Crowd de John Schlesinger, mais il était clair qu’un artiste farouchement original comme Roeg ne pouvait pas continuer à faire des films pour d’autres personnes. Dans une interview, il a réfléchi:
«Je pense que j’ai griffé des surfaces que les gens préféreraient laisser seules.»
C’est exactement ce que Roeg a fait lors de ses débuts en tant que réalisateur Performance qui explore la vie d’un gangster en herbe (joué par James Fox) qui tente d’échapper à ses patrons en emménageant avec une rockstar reclus (Mick Jagger). Tourné et monté en 1968, le film était considéré comme trop «controversé» et étrange pour un public plus large. Le distributeur Warner Bros. «ne pensait pas qu’il était libérable», mais il a finalement été publié avec une cote X en 1970 et a continué à recueillir un culte qui lui est propre. La représentation explicite de la sexualité et de la violence dans la performance a laissé de nombreuses personnes sous le choc, en particulier la femme d’un cadre de studio qui a vomi lors d’une première projection. Avec Performance, Roeg commençait à peine à formuler sa déclaration artistique sans compromis: «Je prends le familier et je le rends étrange.
Roeg avait partagé le générique de réalisateur avec Donald Cammell sur Performance, mais il était seul pour son prochain projet, le film de survie de 1971 Walkabout. Avec Jenny Agutter, c’est l’histoire d’une adolescente et de son petit frère (joué par le propre fils de Roeg, Luc) qui sont sauvés par un jeune aborigène (David Gulpilil) après que leur père se soit suicidé et les abandonne dans la nature. Malgré son manque de succès commercial, le film a été largement salué par la critique pour sa belle narration visuelle, son rôle formateur dans le développement de thèmes cosmiques «quasi-mystiques» dans des films d’art et essai australiens comme Picnic at Hanging Rock de Peter Weir ainsi que son paradoxe conceptualisation primitive de la société moderne. Le film a suscité une controverse pour ses représentations de meurtres d’animaux et le fait qu’Agutter n’avait que 17 ans lorsqu’elle a filmé ses scènes de nu, poussant l’éthique du voyeurisme dans des domaines discutables. Cependant, Roeg ne construit pas seulement un monde cinématographique mais une mythologie entière qui a ses propres lois et sa propre logique. Comme la nouvelle vague française, Roeg a filmé en utilisant sa propre grammaire du langage cinématographique. Il s’est livré au montage kaléidoscopique, à la subversion des structures narratives conventionnelles et aux digressions délibérées afin de séparer son idée du temps et de l’espace de nos idées préconçues biaisées.
Une adaptation de la nouvelle de 1971 de Daphné du Maurier, le projet de 1973 de Roeg Don’t Look Now met en vedette Julie Christie et Donald Sutherland en tant que couple marié qui se rend à Venise pour se remettre de la mort accidentelle récente de leur fille après que le mari John accepte un commission de restaurer une église. Un clairvoyant les avertit que leur fille décédée essaie de leur parler, mais le mari rejette ces affirmations jusqu’à ce qu’il subisse lui-même des observations mystérieuses. L’un des exemples les plus définitifs du style de réalisateur de Roeg, Don’t Look Now crée magnifiquement un réseau d’associations entre les éléments purement visuels comme les couleurs, les textures, les objets ou les accessoires et les éléments narratifs qu’ils anticipent: personnages, lieux et événements comme le possibilité très réelle de violence.
Il s’est même aventuré dans le genre de science-fiction pour son prochain film, The Man Who Fell to Earth (1976) qui mettait en vedette David Bowie dans le rôle d’un extraterrestre humanoïde qui vient sur Terre pour recueillir de l’eau pour sa planète frappée par la sécheresse. Le rôle que Bowie est né pour jouer? Roeg parvient à capturer parfaitement le réalisme allégorique de la friche américaine tout en conservant le surréalisme du récit. Des artistes allant de Philip K. Dick à Alan Moore ont déclaré que le film de Roeg était une source d’inspiration pour eux et qu’il avait sans aucun doute façonné le genre, influençant des œuvres ultérieures comme le film de 2013 de Jonathan Glazer Under the Skin.
Bien que la plupart de ses œuvres soient plus tard considérées comme des classiques de la secte, Roeg n’était pas satisfait de la façon dont ses films avaient été reçus à leur sortie. Dans une interview exclusive, il a déclaré: «J’ai été censuré. J’ai été ridiculisé. Je me souviens quand j’ai fait Bad Timing, qui est plutôt bien pensé maintenant, une critique vient de dire: « Il y a du bizarre et il y a du mauvais timing ». C’était tout ce qu’il disait. Pas très utile. » Bad Timing a joué une autre icône musicale, Art Garfunkel, en tant que psychanalyste américain à Vienne. Le film explore le monde sombre de l’obsession sexuelle à travers la relation dysfonctionnelle entre le psychanalyste et son expatriée (interprétée par Theresa Russell qui a ensuite épousé la cinéaste). Roeg double son affinité pour les récits non linéaires en structurant le film sous la forme de flashbacks impeccablement construits. Il insiste également pour filmer ce que beaucoup considèrent «ne pas être filmé», dépeignant les périls de la dépravation humaine dans une scène incroyablement inconfortable où Art Garfunkel se force sur une Theresa Russell inconsciente. Bad Timing a remporté le People’s Choice au Festival du film de Toronto et le London Film Critics Circle Award du meilleur réalisateur, mais il a été snobé par d’autres grandes institutions et rejeté par de nombreux critiques, prouvant que les expériences de Roeg avec le médium cinématographique étaient en avance sur son temps.
Le dernier film important de Nicolas Roeg serait son œuvre de 1985 Insignificance. Il dépeint une réunion fictive entre Marilyn Monroe, Albert Einstein, le deuxième mari de Monroe, Joe DiMaggio, et le sénateur Joseph McCarthy. Bien sûr, nous ne pouvons pas oublier son adaptation du roman de Roald Dahl Les sorcières qui, lors de sa sortie en 1990, a fait un excellent travail en amenant les méchants terrifiants au grand écran avec Anjelica Houston se révélant être un phénomène dans le rôle de la sorcière en chef. . Alors qu’une nouvelle production est en cours, avec Anne Hathaway et avec l’aide de CGI, il y a de grands espoirs pour un autre classique. Mais l’effort de Roeg en 1990 sera incroyablement difficile à dépasser.
Roeg continuerait à faire des films jusque dans la première décennie du 21ème siècle, dirigeant un drame surnaturel de 2007 appelé Puffball qui utilisait ses images étranges caractéristiques. Cependant, il n’a jamais réussi à atteindre les sommets philosophiques de ses films précédents. Tout comme ce que Bergman a fait dans Persona, Roeg utilise son montage pour inonder notre conscience d’images et nous laisse faire les associations. Il exploite l’angoisse de la psyché humaine et introduit des fragments arbitraires qui forment une gestalt à la fin du film. Les choix stylistiques de Roeg ont influencé d’innombrables œuvres, dont Memento de Christopher Nolan. Nolan a déclaré que son film aurait été «assez impensable» sans Roeg et a même évoqué la finale d’Insignificance comme une influence sur sa propre Inception. Les déconstructions par Roeg des récits conventionnels sont remarquables, mais ses styles d’édition et ses motifs visuels ont également été adoptés par des générations d’artistes. Tout en parlant de la nature de son travail, il a déclaré:
« Les films occupent des pans entiers de votre vie – tous mes films ont une empreinte de ma vie en eux.«