Mis à jour le 10 novembre 2020
« Je fais des films qui n’ont aucun sens et qui ne rapportent pas d’argent.»- Seijun Suzuki
Tout à fait parallèlement au changement significatif dans la compréhension du cinéma qui se produisait en France, la nouvelle vague japonaise a commencé à la fin des années 50 et s’est poursuivie dans les années 70. Réagissant aux troubles sociaux et psychologiques après la Seconde Guerre mondiale, les cinéastes japonais ont commencé à changer le langage du cinéma avec un montage non conventionnel et se sont rebellés contre la censure en présentant la violence sexuelle, le radicalisme, la culture des jeunes et la délinquance.
L’une des figures de proue de la nouvelle vague japonaise, le réalisateur Seijun Suzuki a déclaré: «Quand je tourne un film, je regarde souvent des images, des dessins et des peintures. Pas seulement du pop art, mais aussi des images japonaises. La raison en est que je veux voir la forme de ces images, en particulier dans leur représentation de femmes. Je ne comprends pas vraiment pourquoi on l’appelle pop art dans mon cas. Peut-être que le résultat de cette façon de travailler s’avère être du pop art, mais je n’ai pas l’intention d’en faire ça. Il s’avère juste que c’est du pop art. »
Il a ajouté: «La meilleure chose pour un film est que beaucoup de gens viennent le voir à sa sortie. Mais à l’époque, mes films n’avaient pas autant de succès. Maintenant, trente ans plus tard, beaucoup de jeunes viennent voir mes films. Donc, soit mes films étaient trop tôt, soit votre génération est arrivée trop tard. Quoi qu’il en soit, le succès arrive trop tard. »
Nous jetons un coup d’œil à quelques-uns des meilleurs films de ce mouvement révolutionnaire de l’histoire du cinéma, la nouvelle vague japonaise.
10 meilleurs films de la nouvelle vague japonaise:
10. Mort par pendaison (Nagisa Ōshima – 1968)
Bien que l’œuvre la plus populaire d’Ōshima soit probablement le film de 1976 Dans le royaume des sens, Death by Hanging est le film qui mérite sans aucun doute d’être sur cette liste pour sa traduction radicale des techniques brechtiennes au milieu cinématographique. Le film questionne de grands problèmes philosophiques comme l’éthique, la justice et la conscience tout en se livrant à des commentaires politiques sur la persécution des Coréens de souche au Japon.
Ōshima a déclaré: «J’ai découvert, plusieurs années après avoir réalisé mes premiers films, que j’étais très attiré par ces deux sujets, le sexe et le crime. Par la suite, mes films les ont abordés de manière très analytique. Aujourd’hui, j’en suis à un stade où j’aime simplement projeter la réalité nue du sexe et du crime devant les yeux du spectateur.
9. Branded to Kill (Seijun Suzuki – 1967)
L’un des films les plus emblématiques du mouvement japonais de la nouvelle vague, Suzuki’s Branded to Kill est un film facilement accessible et incroyablement amusant qui défie également le spectateur. Il suit l’histoire d’un tueur à gages qui tombe amoureux d’un de ses clients. Après une tentative réussie de la mission pour laquelle il est embauché, il est traqué par l’actuel tueur « numéro un » qui l’aide à sombrer dans la folie.
«Les réalisateurs sans nom comme moi n’ont eu aucun temps», a déclaré Suzuki. «Je n’avais donc pas d’autre choix que de rester éveillé toute la nuit et de ne jamais rentrer à la maison… Le studio est venu me voir avec un scénario et m’a demandé de le faire. Mais tout ce que j’ai préparé après ça dépendait de moi.
Il a ajouté: «Ce n’est pas vraiment le genre qui m’intéresse, mais le personnage du yakuza. Ils errent entre la vie et la mort. En tant que personnage, ils sont plus intéressants que les gens normaux.
8. Porcs et cuirassés (Shōhei Imamura – 1961)
Basé sur le roman de Kazu Otsuka, Pigs and Battleships examine la relation d’exploitation mutuelle qui existe entre l’armée américaine et les échelons inférieurs de la société japonaise. Regard irrévérencieux sur le Japon occupé d’après-guerre, Imamura défie les conventions du cinéma de son temps tout en remettant en cause l’idée d’identité nationale.
Imamura a révélé: «Quand j’étais plus jeune, j’étais en colère contre les commentaires des grands cinéastes. J’ai essayé de me rebeller, mais ils se sont moqués de moi. Malheureusement, je ne pouvais pas vraiment discuter parce qu’ils ne me traitaient pas comme un égal et donc leurs déclarations m’ont beaucoup blessé.
Ajoutant: «C’est beaucoup plus facile d’être obéissant et de rester avec l’establishment, mais ce n’est pas mon mode de vie. J’essaye toujours de changer complètement la société avec mes films. Bien sûr, le cinéma n’est pas comme la capture. Vous pouvez lancer le ballon, mais rien ne garantit qu’il sera attrapé. »
7. Nanami, L’enfer du premier amour (Susumu Hani – 1968)
Considéré par de nombreux spécialistes du cinéma comme la plus grande réalisation de Hani, First Love est l’une des œuvres définitives de la nouvelle vague japonaise. Le film explore les complexités de l’adolescence ainsi que nos pulsions freudiennes destructrices à travers l’histoire de deux jeunes gens apprenant à se connaître, pour finalement se diviser en sous-thèmes importants.
Le cinéaste a déclaré: «Quand j’ai fait [First Love] Je n’ai jamais pensé que ce serait une telle expression de moi-même, mais maintenant je le vois presque comme une confession directe. Cela me surprend vraiment, car je n’aime pas les confessions. C’est arrivé comme contre ma volonté.
6. Jetez vos livres, ralliez-vous dans les rues (Shūji Terayama – 1971)
Magnum opus du poète, dramaturge, écrivain et réalisateur d’avant-garde Shūji Terayama, ce chef-d’œuvre de 1971 est probablement le film le plus expérimental de cette liste. Un récit dépourvu de structure formelle, Throw Away Your Books, Rally in the Streets critique la recherche de la richesse dans la société moderne à travers des vignettes de la vie d’un jeune homme qui passe de l’ambition à la désillusion.
Les œuvres de Terayama n’ont été jouées que sporadiquement aux États-Unis, notamment Off Broadway. Lors d’une de ces visites à New York en 1970, il a déclaré au New York Times: «Ma mère est venue de Tokyo pour me rendre visite et elle a posé toutes ces questions structurées. Elle veut des informations comme pour qui je travaille et combien d’argent je gagne. Je ne peux pas lui donner de telles informations; Je ne peux que lui parler de ses sentiments.
5. Fleur pâle (Masahiro Shinoda – 1964)
Thématiquement influencé par l’œuvre formatrice de Baudelaire, Les Fleurs du mal, le film noir de Masahiro Shinoda suit l’histoire d’un tueur à gages Yakuza récemment sorti de prison. Il entre dans une relation mutuellement destructrice avec une mystérieuse jeune femme après l’avoir rencontrée dans un casino. Le film jette une ombre de nihilisme sur les conceptions traditionnelles de la moralité et de la structure sociale.
«Pendant la guerre, j’ai vécu dans l’esprit que je mourrais pour l’empereur parce que l’empereur était un aller», a déclaré Shinoda. «Quand après la guerre, quand il a été annoncé que l’empereur n’était plus un dieu, il était juste un être humain, ce fut un grand choc pour moi et j’ai senti que tous les dieux qui avaient vécu au Japon étaient tous devenus mortels plutôt que être des dieux. Bien sûr, cela m’a jeté dans un grand désespoir. Mais ensuite, cela m’a amené à avoir une curiosité à propos de ce type de thème par la suite – que peut-être les gens deviennent des dieux, les dieux peuvent s’effondrer et devenir des personnes.
4. L’île nue (Kaneto Shindo – 1960)
Remarquable pour n’avoir presque pas de dialogue, le chef-d’œuvre de Shindo en 1960 dresse un portrait convaincant des habitants d’une petite île qui doivent à plusieurs reprises transporter l’eau pour leurs plantes et eux-mêmes dans un bateau à rames depuis une île voisine afin de survivre. Tout à fait similaire au film Earth d’Aleksandr Dovzhenko de 1930 (que nous avons couvert dans notre long métrage des meilleurs films soviétiques), Shindo utilise la puissance visuelle du cinéma pour nous montrer la tragédie de la condition humaine.
Shindo a expliqué: «La raison [why so many Japanese directors explored the conflict between civilisation and a primitive life] est que, depuis la seconde moitié du dix-neuvième siècle, nous assistons à l’affaiblissement de l’esprit humain. Je pense que c’est un problème universel. Par conséquent, les hommes modernes, et moi pour ma part, sont en train de réévaluer l’énergie et l’identité de l’homme primitif. C’est une question très centrale. »
3. Défilé funéraire de roses (Toshio Matsumoto – 1969)
Considéré comme une adaptation gay du mythe grec ancien d’Œdipe Rex et une influence directe sur A Clockwork Orange de Stanley Kubrick, le chef-d’œuvre de Matsumoto nous emmène dans la culture gay underground des années 1960 à Tokyo. Le film présente une révision radicale de la légende grecque en montrant l’histoire d’un jeune travesti qui tue sa mère et couche avec son père.
Dans un entretien avec Sato Yo, Matsumoto a expliqué sa formation intellectuelle comme «une sorte de critique postmoderne de la métaphysique de la présence depuis Platon: à la place de principes absolus et d’un idéalisme qui insistait sur des hiérarchies claires dans l’art, [he] a rejeté le privilège de l’original sur la copie, le principe sur la conséquence.
2. Massacre d’Eros Plus (Yoshishige Yoshida – 1969)
Le chef-d’œuvre de Yoshida en 1969 est probablement le film le plus représentatif de la nouvelle vague japonaise. Il raconte les derniers jours de l’éminente féministe Noe Ito (magnifiquement représentée par Mariko Okada) et de son amant, l’anarchiste tueur de feu Sakae Osugu, qui sont impitoyablement assassinés par les autorités militaires en 1923. Le film n’est pas seulement un biopic mais un défi direct à la les attentes que nous avons du cinéma et des rêves de révolution.
Yoshida a déclaré: «Par rapport aux périodes précédentes, j’avais maintenant plus de liberté dans le choix du sujet de mes films. Pour cette raison, j’ai pu affiner le thème de la situation concrète de l’homme, et plus précisément, j’ai voulu interroger son subconscient. Ainsi, le sexe. C’est ainsi que j’ai réalisé Eros plus Massacre, le premier film pour lequel je n’ai pas obtenu de distributeur à l’avance – en fait, je n’en ai toujours pas trouvé au Japon. En échange, j’ai eu la liberté la plus complète.
https://www.youtube.com/watch?v=p5twacAxhk0
1. Femme dans les dunes (Hiroshi Teshigahara – 1964)
Le magnum opus de Teshigahara n’est pas seulement le film le plus emblématique du mouvement japonais New Wave, mais il fait probablement partie des meilleurs films japonais de tous les temps. Basé sur le roman du tour de force de l’écrivain (et inventeur) japonais Kobo Abe, Woman in the Dunes suit un entomologiste amateur qui quitte Tokyo pour étudier une espèce de coléoptère non classée trouvée dans un vaste désert.
Cependant, les choses prennent une tournure inattendue lorsqu’il rate son bus et est contraint de rester dans un village avec une jeune veuve. Teshigahara lance un examen cinglant des perversions humaines, du désir d’échapper à la société et du cadre existentiel des relations humaines. Le film a été nominé pour deux Oscars et a remporté le prix spécial du jury au Festival de Cannes.
Dans une interview avec Joan Mellen, Teshigahara a commenté le voyeurisme des villageois qui forcent le couple à avoir des relations sexuelles en public, considérant cela comme un instinct humain «universel». Il a rappelé en riant un incident de la Seconde Guerre mondiale lorsqu’il a observé «un vieux paysan regardant deux amants à travers le trou d’un écran shoji».
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