Iron Maiden et les chansons longues

Vous auriez du mal à trouver un plus grand fan du nouvel album d’Iron Maiden Senjutsu que Nicko McBrain.

« Sans aucun doute un chef-d’œuvre », s’enthousiasme le batteur de 69 ans pour UCR à propos du 17e album de son groupe, dont le titre se traduit vaguement par « tactique et stratégie ». « Je dis toujours ‘C’est la meilleure chose que nous ayons jamais faite’ à propos de nos nouveaux albums, parce que ces nouveaux albums que vous faites sont la meilleure chose que vous ayez jamais faite, vous savez ? Si ce n’est pas le cas, alors vous’ tu ne vas pas le sortir, n’est-ce pas ? Mais pour moi, c’est définitivement, je pense, le meilleur album que nous ayons jamais fait. Et je sais que c’est exagéré quand on considère des choses comme Seventh Son [of a Seventh Son] et mon premier album [Piece of Mind], Numéro de la bête. Mais de toute façon, c’est mon opinion personnelle. Je pense que Senjutsu est un chef-d’œuvre et notre meilleur travail à ce jour. »

Avec un temps de 82 minutes, Senjutsu marque le deuxième double album consécutif d’Iron Maiden derrière The Book of Souls de 2015. Le sextet anglais s’est à nouveau associé au producteur de longue date Kevin Shirley (avec le bassiste Steve Harris en coproduction) et a enregistré l’album au Studio Guillaume Tell à Paris, où ils ont également réalisé The Book of Souls et 2000’s Brave New World, qui a vu le retour du chanteur Bruce. Dickinson et le guitariste Adrian Smith.

Le résultat est un album tentaculaire et aventureux qui utilise toutes les caractéristiques de Maiden – riffs de guitare captivants, rythmes galopants, le hurlement de banshee de Dickinson – tout en introduisant de nouveaux éléments au son séculaire du groupe, tels que les tambours monstrueux et tribaux sur la chanson titre, qui, selon McBrain, ont été inspirés par les tambours taiko japonais utilisés dans la guerre il y a des siècles. Les trois dernières chansons de l’album – « Death of the Celts », « The Parchment » et « Hell on Earth », toutes des compositions solo de Harris – totalisent 34 minutes, un triptyque extrêmement ambitieux, même selon les normes de Maiden.

McBrain a parlé à UCR de la fraîcheur du son d’Iron Maiden, de sa philosophie de batterie et de la stratégie derrière toutes ces épopées de plus de 10 minutes.

Sur l’ajout constant de nouvelles nuances au son d’Iron Maiden
Il y a vingt ans, lorsque Bruce et Ade sont revenus, c’était lorsque Kevin Shirley a sauté à bord, et nous sommes allés dans le même studio où nous avons enregistré cet album. Et je pense que parce que nous y sommes retournés pour trois albums, nous n’avons pas pensé consciemment : « Eh bien, allons-y pour tel son ou tel son. » Il a juste fait son chemin de manière générique à la surface. Et je dis « génériquement » parce que c’est le groupe, nous six, qui fait toujours la musique. Beaucoup de morceaux, nous avons en dessous de la mélodie vocale – et je ne pense pas que nous ayons fait cela très souvent dans le passé – nous avons une ligne de guitare qui phrase la ligne vocale. Et il y a trois ou quatre chansons sur l’album où nous faisons ça, et je pense que c’est quelque chose que Steve a pris et a dit : « Oh, ça marche vraiment bien alors nous allons le faire. » Je ne me souviens pas que beaucoup de nos chansons du passé aient eu la ligne de guitare sous la voix – sur la voix principale, pas sur une harmonie ou un refrain, en fait le long des couplets. Il y a donc une première, une sorte de chose différente que nous avons utilisée. C’est juste venu comme ça.

Chaque fois que nous allons en studio, nous ne savons jamais ce qui va se passer. Parfois, les chansons ne sont pas écrites. Parfois, il n’y a qu’une ou deux idées écrites, et Steve repartira avec une ou deux idées de Janick [Gers] ou Adrian, ou Bruce et Adrian, et Davey [Murray] vient parfois avec une châtaigne ou deux. Alors Steve ira s’enfermer, et la pression est sur les scénaristes, très certainement. Et cet album avait juste une révérence naturelle, oserais-je dire, pour lui. Je veux dire cela dans le sens où lorsque nous étions dans cette pièce, nous étions totalement à l’aise. C’était comme mettre une vieille paire de pantoufles ou vos gants préférés et une paire de jeans préférés, ce genre de chose. Nous étions à l’aise.

Sur la composition des tons parfaits pour chaque chanson
Que ce soit nos fans, les grincheux, les ingénieurs de studio en devenir, tous les gens qui pensent savoir ce qui se passe sonorement en studio, ces experts : D’accord, vous pouvez tout régler vous-même, mais Kevin et Steve , je pense, se sont surpassés. Ils ont mis énormément de travail pour faire fonctionner les sons de cet album. Chaque piste est différente. C’est ce que j’aime dans cet album. Certains des albums précédents, nous avons créé le son de la batterie et nous l’avons simplement utilisé sur chaque piste. Peut-être un peu de réverbération sur la caisse claire et un peu plus de la pièce, mais c’était fondamentalement le même genre de son. Et ils ont [found different sounds] avec tous les instruments de cet album. La basse de Steve est composée de deux tons différents, et j’adore ça. Cela a pris beaucoup de temps et ils ont fait un travail fantastique. Et bien sûr, ne me lancez pas sur les performances. La voix de Bruce, je veux dire, il traque des harmonies qui sont tout simplement hors de ce monde, hors des charts. Les solos de guitare – je veux dire, prenez juste les deux solos de guitare sur « The Writing on the Wall ». Vous obtenez Dave Murray qui propose ces lignes de guitare vraiment bluesy, licky, Paul Kossoff et son magnifique solo mélodique que seul Davey joue comme ça. Janick est similaire, mais David Murray a un certain feeling. Et puis, bien sûr, vous êtes époustouflé par le solo d’Adrian. Et puis, bien sûr, cela ouvre le reste de l’album. Mon morceau préféré, « The Parchment », regarde les solos. Tous mes camarades de groupe sont juste hors des charts.

De la nécessité (et de la méthode) des chansons longues
Nous étions assis dans la salle de contrôle, et je pense que cela aurait même pu être « The Parchment » – c’est soit ça, soit « The Time Machine », l’un d’entre eux – et Kevin dit: « Tu te rends compte que ces chansons durent plus de 12 minutes longue? » Et nous étions tous assis dans la pièce [and said], « Non, il n’y a aucun moyen que ce soit 12 minutes. Il n’y a aucune chance que cette chanson soit aussi longue. Et au fait, qu’est-ce que tu veux dire ? » [Laughs] Quand les gens s’assoient et qu’ils ont la feuille de temps, ils regardent l’heure du morceau, et peut-être qu’ils écouteront le morceau sans les paroles écrites, et ils pourraient avoir une courte durée d’attention. Ils disent : « Quand est le prochain changement ? » Eh bien, il y a toujours une méthode pour les structures. Neuf fois sur 10, vous constaterez que la répétition est quatre fois, voire huit. Et dans le cas des trois guitaristes, chaque guitariste doit avoir un solo. Vous ne pouvez pas écrire une chanson et dire : « D’accord, seul Davey va faire le solo », ou seulement Ade ou seulement Janick. Pas qu’aucun des deux autres ne s’en plaindrait. Ils diraient probablement : « Génial, moins travaille pour moi! »

C’est une autre chose dans ce groupe : aucun de ces gars n’a un ego où ils disent : « Eh bien, j’ai écrit la chanson, je vais faire [the solo]. » Prenez, par exemple, encore une fois, ce classique « Writing on the Wall ». Davey Murray fait le premier solo, Adrian fait le second. Adrian a écrit la chanson avec Bruce. Nous avons dit: « Eh bien, voulez-vous prendre le premier solo? » Et Ade dit : « Non, je préfère faire le deuxième, en fait. Dave, tu veux le faire ? » Et puis les trois – les trois amigos – ils vont en parler. Le reste d’entre nous n’a pas vraiment notre mot à dire. bien avec moi. »

Sur le maintien d’un état d’esprit analogique à l’ère de Pro Tools
Nous sommes un groupe à l’ancienne. Nous avons toujours dit que nous voulions capturer notre son et que nous voulions capturer notre performance en live. Mais quand on pense à l’enregistrement, c’est de toute façon ce que c’est. Ce n’est rien d’autre qu’un spectacle vivant. Mais l’idée derrière cela est que nous voulions le jouer comme une chanson live. Vous ne pouvez pas commencer une chanson et finir à mi-chemin puis dire : « Eh bien, nous allons prendre une tasse de thé maintenant, nous allons jouer le morceau suivant dans une minute. » Dans l’ancien temps de l’analogique… ce qui rendait l’ingénieur si super-duper, c’était la façon dont il pouvait coller un battement ou une note d’une bande de deux pouces. Et puis ils ont commencé à multipistes multipistes. Vous savez, le processus d’édition était tardivement difficile. Donc avec Pro Tools et tout ça, vous pouvez déplacer des trucs, vous pouvez régler le pitch, ou comment s’appellent-ils ça, pitch detective ? On n’y va pas. Nous n’avons jamais fait [that], mais ce qui est bien dans le fait de pouvoir enregistrer aujourd’hui, c’est que nous nous sommes habitués à la technologie. Il existe depuis quoi, 20, 30 ans maintenant, du moins depuis qu’on est allé chez Guillaume Tell à Paris sur l’album Brave New World. Nous utilisons donc la technologie à notre disposition.

Mais quand nous faisons une chanson en morceaux, ce que nous faisons, c’est que lorsque nous avons la première partie, nous jouons les quatre ou huit dernières mesures, et nous le faisons comme un drop-in, comme vous le feriez si vous étiez le faire sur bande analogique. C’est comme ça que vous aviez l’habitude de passer en analogique, et vous deviez obtenir le timing juste là, appuyez sur le bouton d’enregistrement pour le drop-in. Donc on fait toujours comme ça. Donc, même lorsque nous sommes en studio, nous ne nous contentons pas de dire : « D’accord, d’accord, commençons la deuxième partie maintenant ». Poussez, c’est parti.

Sur la montagne des séances de Senjutsu
Kevin avait 64 disques durs, et ils fonctionnaient tout le temps, même pour les répétitions. Ça va être intéressant, en fait, de revenir en arrière et d’écouter certains de ces trucs. Écoutez tous les gros mots ! Et, « Oh, j’ai encore foiré ! Oh, tu as foiré là-bas ! Pourquoi es-tu… ! » Vous savez, les petites disputes qui ont lieu.

Sur la question de savoir si Iron Maiden jouera le Senjutsu en entier en tournée
Je ne sais pas. Pour le moment, nous nous concentrons uniquement sur le Legacy [of the Beast] tournée, qui, comme vous le savez, a été reportée de l’année dernière. Nous espérons sortir l’année prochaine en juin. Donc, tous les projets futurs, ils sont sous clé comme l’album l’a été pendant deux ans. Donc, non, je peux honnêtement dire que nous n’avons pas discuté d’une tournée Senjutsu. Nous ne discutons que de l’héritage, et nous nous assurons que tout le monde est en sécurité et peut sortir et le faire.