« La langue est beaucoup plus proche du cinéma que la peinture.»- Sergei Eisenstein
L’histoire du cinéma soviétique est controversée car les dirigeants de l’Union soviétique considéraient souvent le film comme l’outil de propagande idéal, grâce à son immense popularité. Vladimir Lénine pensait que le cinéma pouvait être utilisé efficacement pour endoctriner les masses comme il pouvait être compris par à peu près n’importe qui. Il a déclaré: «Le cinéma est pour nous le plus important des arts.»
Cependant, les œuvres les plus définitives de cette époque ne sont pas celles qui peuvent être classées dans la catégorie des films de propagande. Ce sont les expérimentations de brillants cinéastes et théoriciens du cinéma avec le médium en plein essor qu’est le cinéma, des expériences qui ont façonné la façon dont les films sont faits à ce jour.
Eisenstein a écrit un jour: «Il est intéressant de retracer les différents chemins des travailleurs du cinéma d’aujourd’hui vers leurs débuts créatifs, qui composent ensemble le fond multicolore du cinéma soviétique.
Au début des années 1920, nous sommes tous arrivés au cinéma soviétique comme quelque chose qui n’existait pas encore. Nous ne sommes tombés sur aucune ville toute construite; il n’y avait pas de places, pas de rues tracées; pas même les petites ruelles tortueuses et les impasses, comme on peut en trouver dans la cinémétropole de nos jours.
Il a ajouté: «Nous avons dressé nos tentes et entraîné dans le camp nos expériences dans des domaines variés. Activités privées, professions passées accidentelles, artisanat insoupçonné, éruditions insoupçonnées – tout a été mis en commun et est allé dans la construction de quelque chose qui n’avait pas encore de traditions écrites, pas d’exigences stylistiques exactes, ni même d’exigences formulées.
Nous revisitons certains des films phares de cette époque pour mieux comprendre le phénomène qu’est le cinéma soviétique.
10 plus grands films soviétiques:
10. Terre (Aleksandr Dovzhenko – 1930)
Troisième partie de la trilogie Ukraine de Dovzhenko, Earth est une chronique du processus de collectivisation et de l’hostilité des propriétaires terriens koulaks. La caméra de Dovzhenko présente des images visuellement étonnantes du côté sensuel de la nature, transcendant les limites de la propagande pour remettre en question les concepts cosmiques.
Dovzhenko lui-même a expliqué: «J’ai conçu la Terre comme un film qui annoncerait le début d’une nouvelle vie dans les villages.» Le film a été condamné par la critique soviétique à l’époque, y compris une attaque cinglante de Demyan Bedny (le pseudonyme de Yefim Pridvorov, considéré comme un grand poète prolétarien des années 1920).
«J’ai été tellement abasourdi par l’attaque (de Bedny)», a écrit Dovzhenko, «tellement honteux d’être vu en public, que j’ai littéralement vieilli et est devenu gris du jour au lendemain. C’était un véritable traumatisme émotionnel pour moi. Au début, je voulais mourir.
9. J’ai vingt ans (Marlen Khutsiev – 1965)
Considéré comme un repère du cinéma soviétique des années 1960, le film a été fortement censuré à sa sortie, mais la version définitive de trois heures a été restaurée en 1989. Le chef-d’œuvre de Khutsiev suit trois amis de longue date qui retournent à Moscou après avoir servi dans l’armée, naviguant leurs aspirations et remettant en question place dans la société.
Khutsiev a déclaré: «La confiance absolue dans ce que vous faites et les doutes persistants à ce sujet. Si l’une de ces qualités l’emporte sur [the others], c’est mauvais… les opiniâtres décideront que tout ce qu’ils ont fait est [a work of] génie. L’indécision ne mène également à rien. Ces deux qualités sont nécessaires au réalisateur – tout à la fois.
8. Bonheur (Aleksandr Medvedkin – 1935)
Une des œuvres les plus expérimentales de la liste, Happiness est une comédie noire soviétique surréaliste et silencieuse qui met en scène un paysan malheureux qui se lance dans une aventure sauvage après l’autre avec sa femme, un voisin et des membres du clergé. Il s’agit d’une interprétation brillamment satirique et existentielle d’un agriculteur soviétique qui se retrouve à répondre à l’État, aux institutions religieuses ainsi qu’à ses pairs mais ne pouvant jamais retrouver son identité individuelle.
Le cinéaste renommé Chris Marker a écrit: «Il m’est arrivé de voir [Happiness] presque aussitôt. Ledoux m’a souvent invité à regarder ses nouvelles découvertes. Nous étions tous les deux sidérés, comme tous ceux qui allaient découvrir le film après nous, par un mélange unique d’humour, de lyrisme et de maîtrise cinématographique. Plus le mystère de la date: 1934 – et pourtant une image silencieuse. Et le fait que le cinéma et le cinéaste aient été complètement oubliés des historiens du cinéma soviétique… »
7. Ballade d’un soldat (Grigori Chukhrai – 1959)
Méditation non conventionnelle sur les effets de la guerre, Ballad of a Soldier est une recherche poétique d’espoir dans des paysages dévastés et déchirés par la guerre. Il suit un jeune soldat qui décide de rendre visite à sa mère mais se laisse distraire par la souffrance qu’il voit tout autour de lui. La maîtrise technique du récit visuel amplifie ce sentiment écrasant de perte et d’angoisse.
« Les films russes ont toujours eu de grandes foules de soldats, de scènes de bataille et de gens qui donnent leur vie pour la patrie », a déclaré le cinéaste dans une interview au New York Times en 1998. « J’ai décidé de faire un film sur ce qui se passe lorsque le monde perd une seule personne. »
6. Homme à la caméra (Dziga Vertov – 1929)
Il est étonnant de voir comment les potentiels illimités du cinéma ont été examinés depuis ses débuts. Bien que Man with a Movie Camera semble n’être qu’une chronique de la vie quotidienne du peuple soviétique à Kiev, Kharkov, Moscou et Odessa, il s’agit d’une exploration remarquablement avant-gardiste du processus de voyeurisme et utilise des techniques contemporaines comme le ralenti, stop motion et coupes rapides.
«L’idée de L’homme à la caméra était déjà née en 1924», a révélé le directeur de la photographie Mikhail Kaufman. «Comment cette idée a-t-elle pris forme? À proprement parler, nous avions besoin d’une théorie Kino et d’un programme Kino sous forme cinématographique. J’ai suggéré une telle idée à Vertov, mais elle n’a pas pu être réalisée à ce moment-là.
5. Cuirassé Potemkine (Sergei Eisenstein – 1925)
Ce film muet soviétique de 1925 a eu une influence formatrice sur le cinéma et introduit de nouvelles façons de s’engager avec le médium. Le film est une version dramatisée de la mutinerie qui a eu lieu en 1905 lorsque l’équipage du cuirassé russe Potemkine s’est rebellé contre ses officiers parce qu’ils étaient nourris de viande rance. Pas seulement un récit historique, le cuirassé Potemkine est une enquête symbolique sur les relations de pouvoir.
Eisenstein a déclaré: «J’entends souvent la critique selon laquelle Battleship a trop de pathos. À propos, la version présentée en Allemagne a perdu une bonne part de son orientation politique. Cependant, nous sommes tous des personnes; nous avons tous du caractère, des passions, des tâches et des objectifs.
«Le succès de ce film à Berlin et dans toute l’Europe d’après-guerre, plongée dans l’obscurité d’un statu quo instable, aurait dû devenir un appel à une existence digne de l’humanité. Cela ne justifie-t-il pas le pathétique? Nous devons relever la tête et apprendre à être humains, nous devons être humains, devenir un être humain: c’est ce à quoi vise ce film, ni plus ni moins.
4. Les grues volent (Mikhail Kalatozov – 1957)
Le chef-d’œuvre de Mikhail Kalatozov se concentre sur les ravages et la douleur causés par la Seconde Guerre mondiale à travers sa protagoniste emblématique Veronica qui perd son petit ami pendant la guerre. The Cranes Are Flying est le seul film soviétique à avoir remporté la Palme d’Or au Festival de Cannes.
Le directeur de la photographie Sergey Urusevsky a déclaré: «Il existait chez nous un droit de veto tacite. Nous n’étions pas d’accord là-dessus, ce n’était écrit nulle part, mais il savait: si je n’aime pas quelque chose, il n’insistera pas; s’il n’aime pas quelque chose, moi non plus. Bien sûr, nous avons essayé de nous persuader, nous nous sommes disputés.
Il a ajouté: «Personne n’a retenu personne, incité, dicté. Le côté graphique de l’image dépendait de moi, et Kalatozov y attachait une grande importance.
3. L’Ascension (Larisa Shepitko – 1977)
L’opus magnum de Larisa Shepitko de 1977 est le dernier film qu’elle a réalisé avant sa mort dans un accident de voiture en 1979. Se déroulant pendant les jours les plus sombres de la Seconde Guerre mondiale, il décrit le visage de deux soldats paysans qui quittent leur unité affamée pour rechercher des fournitures dans une ferme voisine. mais sont forcés de se retirer plus profondément en territoire ennemi quand ils voient que les Allemands l’ont déjà occupé. Le film a remporté le prix de l’Ours d’or au 27e Festival international du film de Berlin en 1977.
L’Ascension est basée sur Sotnikov, une nouvelle publiée en 1970 par l’écrivain biélorusse Vasil Bykaŭ. Parlant du matériel source, Shepitko a déclaré: «Cela souligne l’importance cruciale de la force spirituelle de l’homme soviétique face à la machine militaire nazie.
«J’ai trouvé très important l’idée que le peuple soviétique ait gagné la guerre non seulement par la force des armes, mais aussi par sa force d’esprit. Par leur constitution morale supérieure. Comme l’histoire de Bykov, notre film est une tentative de retracer les sources de cette force spirituelle et de glorifier les exploits de l’esprit humain »
2. Venez voir (Elem Klimov – 1985)
Le sombre film anti-guerre du cinéaste soviétique Elem Klimov est une représentation impitoyable de la capacité de l’humanité à lutter contre le mal sans vergogne. Nous vivons les horreurs de la guerre à travers le protagoniste adolescent, Alexei Kravchenko, dans un paysage qui a été soumis à une incursion et un génocide nazis. Come and See insiste sur le fait que même si la guerre a changé ce que signifie être humain pour toujours, la dignité individuelle est quelque chose que personne ne peut nous enlever.
C’est une histoire fascinante de survivre contre toute attente, même si une civilisation entière s’enroule dans le chaos tout autour de nous. Viscéral et émouvant, Come and See est un cauchemar mais nécessaire, un rappel pour nous d’éviter nos erreurs passées.
Klimov a déclaré: «C’était une sorte de reflet de ce que je ressentais de mes propres émotions au moment de la guerre. Ou, pourriez-vous dire, de mon enfance de guerre. Parce que lorsque la guerre a éclaté, je n’avais que huit ans. Je suis né et j’ai grandi à Stalingrad. Donc, comme beaucoup de mes amis et connaissances, nous avons tous vécu ensemble des moments très difficiles.
«Nous avons dû travailler dur. Nous avons ressenti la souffrance humaine. C’étaient mes souvenirs de la guerre. Des souvenirs qui ne me quitteront jamais. Et je suis sûr que, d’une manière ou d’une autre, ils ont été reflétés dans le film Come and See.
1. Stalker (Andrei Tarkovsky – 1979)
Stalker est le meilleur film d’Andrei Tarkovsky, l’un des plus grands cinéastes de l’histoire du cinéma. Cette déclaration suffit pour mériter une place sur n’importe quelle liste, mais elle ne rend pas du tout justice au film. Tarkovsky construit une expérience méditative qui oscille violemment vers la vérité mais ne fait que griffer le vide, une incision révélatrice d’où s’écoule une dialectique vide. Bien qu’il soit structuré comme une expédition en plein air pour arriver à une hétérotopie qui promet de fournir nos désirs les plus profonds et les plus sombres, Stalker mène un voyage simultané dans les recoins psychologiques qui nous restent cachés.
Tarkovsky enveloppe la brutalité du genre science-fiction d’une riche atmosphère de maturité philosophique. Le désir autodestructeur de Stalker menace de détruire toutes nos notions préconçues mais se retient avec la gracieuse retenue de la totalité poétique. La caméra de Tarkovsky glisse sur la friche radioactive alors qu’il perce lentement certains des mystères de l’univers.
«Pourquoi est-ce que peu importe où il est arrivé? Parce que le chemin est infini », a déclaré Tarkovsky. «Et le voyage n’a pas de fin. À cause de cela, il n’y a absolument aucune conséquence que vous vous trouviez déjà près du début ou près de la fin – avant vous, il y a un voyage qui ne finira jamais. Et si vous n’êtes pas entré dans le chemin, le plus important est d’y entrer. C’est là que réside le problème. C’est pourquoi pour moi, ce qui compte, ce n’est pas tant le chemin, mais le moment où un homme y entre, entre dans n’importe quel chemin.
Il a ajouté: «Dans Stalker, par exemple, le Stalker lui-même n’est peut-être pas si important pour moi, beaucoup plus important est l’écrivain qui est allé dans la Zone en tant que cynique, juste un pragmatiste, et est revenu comme un homme qui parle de dignité humaine. , qui s’est rendu compte qu’il n’était pas un homme bon. Pour la première fois, il fait même face à cette question, l’homme est-il bon ou mauvais? Et s’il y a déjà pensé – il entre ainsi dans le chemin… Et quand le Stalker dit que tous ses efforts ont été vains, que personne n’a rien compris, que personne n’a besoin de lui – il se trompe parce que l’écrivain a tout compris. Et à cause de cela, le Stalker lui-même n’est même pas si important.