Jonny Greenwood, le célèbre musicien et compositeur anglais, a bâti sa réputation impérieuse de guitariste et claviériste principal de Radiohead mais, au fur et à mesure que sa maturité musicale s’est développée, son évolution dans le monde du cinéma s’est également développée. Élevé dans une famille dans laquelle les membres écoutaient des reprises de chansons de Mozart et Simon et Garfunkel dans une égale mesure, Greenwood avait un intérêt inné pour la musique dès son plus jeune âge. Après avoir joué de la musique baroque, il a appris l’alto et a rejoint l’orchestre de jeunes de Thames Vale, ce qui a largement influencé son goût croissant pour la musique. Ayant été le plus jeune et le dernier membre à rejoindre le groupe de son école, «On a Friday», qui a ensuite été renommé «Radiohead» en 1991, Greenwood n’a pas regardé en arrière. Après un passage massivement réussi dans les années à venir, Radiohead a vendu plus de 30 millions d’albums dans le monde et a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2019.
Suite au succès du groupe, Greenwood sort en 2003 son premier travail solo via le documentaire Bodysong de Simon Pummell, incorporant guitare, jazz et musique classique, qui retient l’attention de Paul Thomas Anderson. Après avoir été encordé pour composer une musique de film pour le succès 2007 d’Anderson There Will Be Blood, Greenwood a reçu une appréciation mondiale; son travail a été décrit comme «une explosion sonore qui a réinventé ce que pouvait être la musique de film», tandis que Hans Zimmer affirmait que la bande-son «imprudente et follement belle» «se démarquait».
Construisant une relation de travail étroite avec le réalisateur Anderson, Greenwood a pris une longueur d’avance dans son expansion créative, en réalisant plusieurs projets de composition de musique de film dans lesquels il a livré des bandes sonores uniques et pionnières. Bien que son travail ait été disqualifié de la 80e cérémonie des Oscars pour avoir conservé des morceaux précédemment utilisés, Greenwood a obtenu une autre nomination pour sa spectaculaire curation orchestrale de la musique dans Phantom Thread d’Anderson. Malgré la reconnaissance et les distinctions, Greenwood a admis sans broncher ne pas être extatique à l’idée de gagner des prix. «Je reçois déjà assez d’éloges et de reconnaissance de la part de mes pairs», a-t-il commenté un jour.
À l’occasion du 49e anniversaire de ce maestro, nous allons jeter un œil à ses musiques de films uniques et d’une beauté envoûtante, composées d’étrangeté et d’amour. Greenwood, qui ne craint jamais l’expérimentation constante, intègre des genres disparates pour créer des bandes sonores qui correspondent à l’esthétique du film. Diffusez les bandes sonores suivantes pour vous habituer au monde de Jonny Greenwood, des musiques de films magnifiques et poétiques, mélodieuses et captivantes.
Les scores des films de Jonny Greenwood classés du pire au meilleur:
8. Bodysong (Simon Pummell, 2003)
Bodysong est un documentaire de 78 minutes primé aux BAFTA qui raconte la vie humaine, de la naissance à la mort, en utilisant des images et des séquences prises du monde entier ainsi que les 100 dernières années de cinéma. Selon le réalisateur hollywoodien Paul Thomas Anderson, le film, avec sa «merveilleuse collection» de «photos et musique», l’a plongé dans une «transe». Il l’a ensuite décrit comme «un pot-pourri d’images émouvantes, effrayantes et hypnotiques et une expérience qui devient plus lucide à mesure que vous regardez». Composée de treize compositions originales, la partition du film ambiant et avant-gardiste de Greenwood s’inscrit dans la collection de portraits et de bobines mettant en valeur ce voyage épique; le scintillement des cordes et du piano, ainsi que les intermèdes occasionnels de guitare acoustique, complètent le récit mythique dépeint dans le documentaire.
Les compositions de Greenwood étaient parfaites en ce qui concerne l’imagerie vivante du documentaire. Rebelle né, il a voulu aller à contre-courant et expérimenter de nouvelles idées, dont certaines consistaient à se plonger profondément dans les «paysages sonores des langues éteintes». Greenwood combine habilement des styles disparates (classique, électronique, jazz et expérimental), formant un mélange inhabituel de musique qui «passe de l’excitation à quelque chose d’oppressif». Ses idées ingénieuses ont aidé le documentaire à paraître plus convaincant là où la musique guide l’art de la narration.
https://www.youtube.com/watch?v=videoseries
7. Junun (Paul Thomas Anderson, 2015)
Junun a documenté l’incroyable collaboration de Jonny greenwood avec Indian par le compositeur israélien Shye Ben-Tzur et le Rajasthan Express, un ensemble indien de dix-neuf membres. La contribution rythmique de Greenwood via la guitare, la batterie, la basse, le clavier et d’autres beats ajoutés et un soupçon de jazz à la «musique du Moyen-Orient». Les paroles multilingues et la bande-son nuancée aident les musiques orientales et occidentales à transcender leurs limites et à converger les unes avec les autres, produisant une mélancolie musicale.
Greenwood, dans une interview avec Rolling Stone, a révélé: «Il y avait des similitudes: dans ma tête, c’était un peu comme être le bassiste – guitariste dans un bon groupe de funk des années 70, comme une version indienne des JB», dit-il, avant d’ajouter: « Ce truc ne change pas beaucoup les accords non plus et a en fait une humeur extatique similaire ».
Conformément à sa demande, Greenwood s’est vu octroyer un «rôle de soutien» au lieu d’un «rôle de soliste». Compte tenu du travail magistral dont le public a été témoin au cours des trois dernières collaborations, Greenwood est phénoménal mais est déçu par le manque de personnalité et d’innovation d’Anderson dans le projet.
6. Vice inhérent (Paul Thomas Anderson, 2014)
Joaquin Phoenix incarne un détective fragile et stoner des années 1970, dans cette comédie sombre, qui se lance dans une quête pour enquêter sur la disparition d’une ex-petite amie et de son nouvel amant riche. Incorporant son génie musical habituel, Greenwood sort une guitare orageuse avec des cordes sinueuses Hermann-esque qui reflètent la pop classique des années 60. Dans ce qui est sa troisième collaboration avec Anderson, la maîtrise de Jonny sur sa composition magistrale délivre un ton nostalgique et maussade qui facilite le flux narratif.
Jonny Greenwood a admis que la bande originale devait être intrinsèquement romantique car elle avait «un ton étrange: très amusant, plein de grotesques et de blagues fantastiques, mais pas seulement une blague». Greenwood est, selon Anderson «le premier spectateur» et ses idées orchestrales couplées à un génie expérimental l’aident à organiser des pièces extraordinaires lorsqu’il est laissé «à lui-même».
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5. Nous devons parler de Kevin (Lynne Ramsay, 2011)
Tilda Swinton joue la mère horrifiée qui est obligée de faire face à l’inclination de son fils sociopathe Kevin pour le défi, l’obscurité, la violence et le meurtre. Greenwood a organisé dix-huit pistes suffisamment intenses pour dépeindre la volatilité, préfigurant de manière inquiétante le point culminant horrible du film. Le thème sous-jacent du conflit entre la nature et l’éducation est accentué par le score sombre. Jonny aurait été « terrifié par cela car il a des enfants » selon Ramsay, qui a apprécié sa capacité à faire ressortir les « couches et les tons » du thriller psychologique maussade.
Greenwood, lui-même, était ravi malgré la gravité du sujet, car c’était «une bonne chance de jouer avec de nouveaux instruments et de recruter de nouveaux joueurs», a-t-il déclaré, avant d’ajouter: «Nous avons utilisé ce harpiste appelé Jean Kelly qui joue de la harpe. cordée avec des cordes métalliques, donc ça ne ressemble à rien de ce que vous avez jamais entendu. C’est merveilleux ».
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4. Norwegian Wood (Tran Anh Hung, 2010)
La pièce d’époque qui raconte les révolutions politiques et sexuelles d’une époque particulière est adaptée du roman populaire de Haruki Murakami du même nom, avec des thèmes sous-jacents d’amour, de perte et de chagrin d’amour. La composition de Greenwood est une fois de plus un conglomérat incongru de la richesse de Bach et Brahms couplée à la guitare acoustique, inspirée de son précieux Penderecki.
Le film utilisait à la fois Greenwood et un groupe allemand, la composition de Can qui avait une ambiance classique des années 1960-1970. La composition de Jonny est sympathique mais bouleversante, ce qui donne une profondeur supplémentaire à l’ambiance du film. Ayant vu «quelques extraits de la façon dont il le filmait, lisant le scénario et finalement lisant le livre». Greenwood a préparé sa bande originale qui est un ajout splendide à sa carrière florissante de compositeur de films. Conformément à ce que Hung aimait, la bande-son «confirme les émotions et les rend plus fortes, voire plus lyriques». Hung a également été cité en disant comment il voulait utiliser la même pièce dans différentes scènes pour créer une certaine profondeur croissante au cours du film.
3. Le maître (Paul Thomas Anderson, 2013)
Freddie Quell de Joaquin Phoenix est un vétéran de la guerre qui a du mal à s’adapter à la nouvelle société d’après-guerre. Il trouve le réconfort ultime dans «La cause» qui marque la montée de l’Église de Scientologie. Après un passage réussi dans le film d’Anderson de 2007, Greenwood a été obligé de composer à nouveau la musique du film. Il est à la hauteur de son génie avec une bande-son riche et tendue accompagnée de pièces classiques déchiquetées et frénétiques qui récoltent un sentiment de paranoïa, d’ambiguïté et de dégradation morale de la société ainsi que du personnage de Phoenix.
L’amour de Greenwood pour l’écriture d’orchestre est évident dans la musique du film. Anderson, qui ne manque jamais d’être fasciné par les merveilleuses compositions de Jonny, ne pouvait pas insister assez sur la façon dont cette dernière était «extrêmement différente et formidable». Il a été cité en disant: «C’est un peu lui en bref:« Non, non. Je ne peux vraiment pas. Je ne sais pas comment faire ça. Et puis vous obtenez cet énorme plateau de choses.
2. Il y aura du sang (Paul Thomas Anderson, 2007)
Daniel Day-Lewis joue le rôle d’un pétrolier impitoyable et mercenaire qui s’efforce sans relâche et ne recule devant rien pour devenir le magnat du pétrole le plus influent. Greenwood a offert à son fan et réalisateur, Paul Thomas Anderson, une bande originale de quatre-vingt-dix minutes, dont environ trente-trois minutes ont fait son apparition dans le montage final. Greenwood s’est inspiré de l’œuvre de Penderecki; la musique était déchirante et sans pitié dans son cœur conformément aux scènes qui l’accompagnaient.
Greenwood a eu une «course très facile avec le réalisateur car il est extrêmement passionné par la musique et aime la mettre en évidence dans ses films». Anderson, de son côté, était fasciné par les idées novatrices de Greenwood et, avec un souffle coupé, avait «attendu l’occasion». Bien que remarquable et largement acclamée, la musique du film a été jugée inéligible car Greenwood avait utilisé certaines de ses partitions originales préexistantes (de «Popcorn Superhet Receiver» et «Convergence»).
En ce qui concerne son approche, Entertainment Weekly a cité Greenwood en disant: «Je pense qu’il ne s’agissait pas nécessairement de faire de la musique d’époque, ce que vous feriez très traditionnellement. Mais comme il s’agissait de sons orchestraux traditionnels, je suppose que c’est ce que nous espérions être un peu dérangeant, même si vous savez que tous les sons que vous entendez proviennent d’une technologie très ancienne. Vous pouvez simplement faire des choses avec l’orchestre classique qui vous déstabilisent, qui sont un peu fausses, qui ont une sorte de courant sous-jacent qui est légèrement sinistre ».
1. Phantom Thread (Paul Thomas Anderson, 2017)
Le dernier rôle de Daniel Day-Lewis avant sa retraite en tant que créateur de mode obsessionnel Reynolds Woodcock mène une vie méticuleuse et bien planifiée. Cependant, en rencontrant sa nouvelle muse et amant, Alma, sa vie change radicalement. Conte luxuriant et poignant centré sur la masculinité toxique, les titres subtils et incroyables de Greenwood sont «riches et magnifiques, élégants en raison de leur nature exigeante, une esthétique qui convient au film à un T».
Paul Thomas Anderson était étourdi de fierté devant la création magistrale de Greenwood. Il a été cité en disant: « [The score] est plus que ce dont nous avons jamais eu besoin [from him] avant… je craquerais en quelque sorte un fouet qui disait, plus romantique, plus romantique, plus romantique.
Le film est étrange; Les bandes sonores de Greenwood comprennent le cri morbide des violons couplé à une danse étrange et creuse de quatuors à cordes et de bois. Inspiré par l’enregistrement Bach de Nelson Riddle et Glenn Gould, le chef-d’œuvre de Jonny Greenwood lui a valu une nomination aux Oscars; un chef-d’œuvre non-Radiohead qui contribue à sa réputation naissante.