250 ans de Beethoven – L’héritage immuable d’un compositeur sur le cinéma

«Oh bonheur, bonheur et paradis, oh c’était la splendeur et la splendeur faites chair, c’était comme un oiseau du métal céleste filé le plus rare ou comme du vin argenté coulant dans un vaisseau spatial – la gravité est désormais absurde.

Alex s’exclame dans le film désormais emblématique de Stanley Kubrick, A Clockwork Orange, se débattant dans l’orgasme rouge-rougir alors qu’il annonce son amour et sa passion pour «un peu du vieux Ludwig Van». Le 17 décembre 2020 marque le 250e anniversaire des compositeurs intemporels, dont la musique se retrouve dans tous les genres et décennies de l’histoire du cinéma, de A Charlie Brown Christmas à Die Hard.

Le bonheur, le paradis et la «splendeur» des symphonies de Beethoven transcendent le langage verbal, accédant à un royaume éthéré en apesanteur de la conscience et, lorsqu’ils sont utilisés correctement, peuvent parler en privé au public pour transmettre des sentiments incroyablement abstraits. Souvent, les films qui présentent son travail partagent principalement un ton commun, englobant une qualité soulignée par le discours d’Alex dans A Clockwork Orange.

«Comme du vin argenté qui coule dans un vaisseau spatial – la gravité n’a plus de sens maintenant», la musique de Beethoven met le temps en suspension et extrait le mystère de la nature morte.

Avec des symphonies et des concertos qui semblent percer les murs du temps et de la réalité, l’apparition de Beethoven à travers le cinéma souligne souvent des exploits de science-fiction impossibles ou des percées psychologiques existentielles; lévitation des questions de temps et de raison. Dans la recherche exploratoire du sens, nous remettons en question ce qui dépasse nos limites de compréhension – le sens de la vie elle-même dans un univers en constante expansion.

L’héritage de Beethoven est donc vraiment poétique, pressé sur le «disque d’or» à bord de la sonde spatiale Voyager 1, pionnier de la découverte, voyageant dans l’univers inconnu en «métal céleste en apesanteur».

La meilleure utilisation de Beethoven dans les films:

Une orange mécanique – Neuvième symphonie, deuxième mouvement

La dépravation d’Alex et de sa bande de «  droogs  » dans le chef-d’œuvre de Kubrick en 1971, basé sur le roman d’Anthony Burgess, est soulignée par l’obsession du personnage pour Ludwig Van Beethoven, sa musique servant de carburant et d’inspiration pour nourrir son esprit sadique. L’existence du gracieux Beethoven dans la vie explosive d’Alex devrait être une contradiction, bien qu’elle ne valide que la position de la violence comme danse joyeuse dans la vie d’Alex.

Beethoven excuse, et facilite même, l’existence de la violence dans la vie d’Alex, donnant un sens et un but à des actes par ailleurs odieux. Pour Alex, sa musique transcende la raison et la moralité, existant sur son propre plan éthéré et céleste.

l’éléphant – Sonate Claro de Luna

Le temps s’arrête – ne serait-ce que pour un instant – dans le film éléphant de Gus Van Sant, gagnant de la Palme D’or, un roman policier étroitement lié à la tragédie de Columbine de la fin des années 90. Dans une scène particulièrement gracieuse, nous vivons l’étrange sublime d’un champ d’école chargé d’activité et de voix. Un jour autrement normal marqué aux côtés de la Sonate Claro de Luna de Beethoven.

Traduite en «sonate au clair de lune», cette scène porte une certaine sérénité éthérée devant la violence et le chaos imminents du film. La sonate de Beethoven suspend le temps en apesanteur, avant de placer le public fermement sur des pistes fatidiques, traquant le jock de l’école «Nathan» à l’intérieur de l’école; sur l’épaule comme un esprit condamné.

L’espace d’un instant, nous nous délectons de la paix tranquille de la normalité bienheureuse de la vie.

Irréversible – Symphonie n ° 7 en la majeur op. 92

Chaos et tragédie se combinent dans le déchirant Irréversible de Gaspar Noé, culminant dans une séquence finale qui reprend la Symphonie n ° 7 de Beethoven en la majeur op. 92 pour créer une sensation désorientante du temps dans la tourmente.

Tandis que Beethoven peut suspendre le temps avec beauté et grâce, ses symphonies peuvent faire de même en mettant le temps en désarroi. Alors que le film expérimental de Gasper Noé se déroule à l’envers, le temps est déformé et la caméra flotte comme un gaz sans but. Tout cela conduit à une séquence finale abstraite qui considère le temps et l’espace logique obsolètes, la Symphonie n ° 7 de Beethoven aidant à faire léviter la scène littérale dans un trou de ver céleste. Le chaos s’installe, ramenant le temps et la raison à ses origines cosmiques – Beethoven est le facilitateur.

Stalker – Ode à la joie

Dans Andrei Tarkovsky 1979, la science-fiction fondamentale Stalker, un guide guide deux hommes à travers une zone étrange et impossible appelée «la zone», à la recherche d’une pièce qui exauce les souhaits. Dans la séquence finale du film, nous voyons la fille du protagoniste, «  Monkey  », alors qu’elle repose la tête à plat sur la table grise boueuse, utilisant apparemment son esprit pour déplacer des objets sur la surface. Avec cette révélation, un train passe à l’extérieur, secouant la maison comme une boîte de conserve pendant que l’Ode à la joie de Beethoven visite fugitivement.

En parlant du film, Tarkovsky a noté: «Nous ne connaissons pas le monde dans lequel nous vivons, même si nous pensons naïvement que nous l’avons étudié complètement». La brève apparition de la musique de Beethoven le souligne dans la séquence finale, imprégnant la scène d’une gravité poignante qui est tout aussi mystérieuse – on ne sait pas si ce que nous voyons est une puissance télékinésique ou simplement les vibrations du train qui passe.

Le cri triomphant d’Ode to Joy est tout aussi festif et terrifiant, surtout lorsqu’il est associé à la capacité télékinésique apparemment impossible. Ce qui devrait être glorieux est plutôt inconnu et mystérieux – une énigme absurde sans réponse évidente.

Pique-nique à Hanging Rock – Concerto pour piano n ° 5 en mi bémol «Empereur», op. 73 – Adagio un poco mosso

Habitant l’espace liminal entre le conscient et l’inconscient, Picnic at Hanging Rock de Peter Weir, basé sur le roman de Joan Lindsay, se joue comme un rêve lynchien glissant entre les frontières de la réalité, dénichant un mystère étrange dans son sillage.

Moins sur la solution, mais plus sur le mystère en soi, le film de Weir questionne le besoin désespéré de l’humanité d’explications et de réponses aux plus grands secrets de la vie. Accepter son impuissance et son ignorance, c’est accepter sa vulnérabilité. Ce mystère est ponctué d’une bande-son qui rappelle souvent le Concerto pour piano n ° 5 de Beethoven en mi bémol «Empereur», op. 73 – Adagio un poco mosso, déplaçant la qualité onirique dissolvante de la cinématographie du film dans un royaume plus apesanteur.

Le statut du mystère du film devient élevé au-delà de la raison – le staccato fluide de Beethoven habitant un royaume merveilleux et céleste – «la gravité est désormais absurde». Trouver une réponse résolue est futile, le film de Weir et le Concerto de Beethoven nous conduisent à un étrange réconfort dans ce fait.